Es un gran momento para estar vivos. Hasta hace 20 años, traer a cualquier acto musical de talla global a Colombia se parecía más a un dolor de cabeza en crescendo que a la noche más emocionante de cualquier organizador, fan o asistente a conciertos. No en vano el relato de Guns N’ Roses en Colombia en 1992, la primera vez de la banda en el país, se convirtió en una leyenda popular con la que soñaría cualquier writers’ room de HBO: lo que prometía ser la noche del año terminó en un desastre que involucró a Hugo Chávez, Pablo Escobar, un escenario con una infraestructura que nadie supo mantener en pie y un clima que desafió hasta la ambientación más descabellada para November Rain.

Si alguien hubiera muerto esa noche, lo que habría pasado frente a sus ojos sería la trama de una película latinoamericana deprimente y experimental de bajo presupuesto. Pero el hecho de que en 2023 podamos reírnos de lo que pasó y recordarlo como una anécdota muy peculiar solo habla de lo mucho que todo ha cambiado en muy poco tiempo. Los últimos tres años han traído consigo suficientes giras, conciertos y eventos de música en vivo para acabar con los ahorros de cualquier persona que se permita disfrutar, como mínimo, dos géneros musicales. Estos son algunos de los nombres más escuchados que se han presentado en Colombia en los últimos 12 meses, sin ningún orden particular:

• Alicia Keys (+ Karol G)

• Tale of Us

• Billie Eilish

• Drake

• Blondie

• Rosalía (2 veces)

• Bad Bunny (3 veces)

• Feid (+3 veces)

• Kali Uchis

• Miley Cyrus

• Def Leppard

• Paramore

• Mötley Crüe

• Romeo Santos

• Rüfüs Du Sol

• Sean Paul

• Rels B

Esta lista, que de ninguna manera termina ahí si miramos lo que ya fue o lo que viene, deja un panorama muy claro: los públicos en Colombia nunca han estado en un mejor momento para disfrutar a sus artistas favoritos. El país está en el mapa del circuito global de entretenimiento. Tenemos escenarios, personal capacitado y, por primera vez, hay una sensación de que hay cabida para todos. Ese fue el sabor que me dejó el Estéreo Picnic en Marzo: un evento con un cartel curado para que nadie se quedara sin experimentar algún grado de FOMO (fear of missing out) y cuyos únicos contratiempos, me atrevería a decir, fueron el dedo roto de Travis Barker, la inesperada quiebra de Viva Air y la barrera del idioma, que le impidió a Drake hacer un show triunfal y demostrar que es profeta fuera de su propia tierra (Osea los stripclubs de Atlanta).  

Del campo de golf Briceño, en donde se realizó el FEP este año, salí con la satisfacción de quien acaba de vivir una experiencia que no se vive dos veces; la realidad es que tuvimos un evento de talla global, pero también me quedé con algunas preguntas: ¿Tenemos el peor público del mundo? ¿Qué estaban pensando algunas de las marcas con sus activaciones? ¿Qué le hace falta al Estéreo Picnic para ser Coachella? ¿Coachella?

En contados 20 días, una cantidad considerable de personas de todo el mundo aterrizarían en Indio, California para presenciar EL cartel musical del año en el festival que Interview Magazine describe de una manera que yo no podría:

“It was the best of times. It was the hottest, sweatiest, most crowded, Instagrammed of times: It was Coachella Weekend, or this generation’s closest living memory to something like Woodstock.”

Entre esos asistentes estaría @tovar.henao, 1 de 4 personas que trajeron Coachella hasta mi feed de instagram a través de stories, reels, fotos análogas digitalizadas y recaps que seguí como si fueran la transmisión en vivo. Para tratar de poner en perspectiva las preguntas que me hice y mis conclusiones sobre el Estéreo Picnic, lo invité a contarme su experiencia en Indio en 20 preguntas.

FELIPE: Preséntate. ¿Qué debería saber cualquier persona que esté leyendo esto sobre @tovar.henao?

@tovar.henao: Mi nombre es Jaime Andrés Tovar, tengo 33 años, y soy director creativo y copywriter en una agencia de publicidad llamada Media.Monks, en la que llevo casi tres años trabajando para Netflix, Spotify y otras marcas que tiene la agencia a nivel regional. Sagitario. Junkie de la música, el cine, de tomarle foto a todo, y del aguacate con sal y limón.

FELIPE: ¿Cuál fue tu primer concierto y el más reciente? Mi primer concierto fue Madonna en Medellín en 2012. El más reciente, Billie Eilish en el FEP este marzo.

@tovar.henao: No estoy seguro si el primero fue uno de Ekhymosis en la plaza de toros en Manizales en los 90, cuando tenía como 10 años,  o si fue uno de Oki Doki (Prometo que mi gusto musical ha mejorado)

Mi último concierto (no festival) fue Radiohead en el 2018 en Bogotá. Hermoso concierto. Después de ese, creo que solo he ido  a festivales: Estéreo Picnic 2018 y 2019, Primavera Sound en Barcelona 2022 y Sónar Barcelona 2022. Ese mismo año pude asistir a un “mini festival” que hizo Spotify en el marco de Cannes 2022, en donde se presentaron Kendrick Lamar, Dua Lipa y Anderson Paak. Pero de todos estos eventos, Coachella 2023 ha sido sin duda uno de los más memorables.

FELIPE: Este año comprobé que la planeación extrema fue una parte importante de que me haya relajado en Bogotá y haya disfrutado más las experiencia del FEP. Desde conseguir un buen alojamiento con tiempo hasta hacer un inventario de todo lo que llevaba en la maleta para tener un visual de cada día. Describe tu itinerario de viaje. Lo que creías que iba a funcionar y lo que te tocó resolver en el camino. 

@tovar.henao: En Enero empecé a planear el viaje y a investigar cuál era la manera más económica y segura de ir a Coachella. Al principio pensé que lo más lógico era quedarme cerca al venue (Palm Springs) y buscar transporte diario para ir al festival (Indio). Pero luego de ver los precios por noche en cualquier hotel, motel o Airbnb del sector, por un momento pensé en no ir; las noches oscilaban entre 450 y 500 dólares… y eran 4 días. Imposible. 

Empecé a ver videos en Youtube y a leer foros de Reddit y Discord y todos recomendaban algo llamado “Car Camping”: cada año, el festival dispone unos lotes al lado del venue donde la gente puede acampar en dos modalidades: la clásica, que es un “slot” para montar tantas carpas como quepan, , o el car camping, que es básicamente un parqueadero junto a un espacio de 10 x 10 pies  para montar un canopy y la carpa.  Esta opción me pareció la mejor, no solo por el precio (300 dólares x 5 días) y porque solucionaba de una vez el viaje de Los Ángeles a Indio, sino por los testimonios de toda la gente que decían que la experiencia era totalmente diferente. La mejor decisión que tomé fue hacerles caso.

Ya con la boleta comprada del Car Camping, reservé desde aquí en Medellín una camioneta 5 días. Así que lo único que faltaba era llegar a L.A y alquilar los elementos para acampar y la comida de todos los días. Estando allá y con todo listo en el carro (comida, ropa, canopy y lo de camping) me fui manejando y tomando fotos hasta llegar al festival. Eso tomó unas 3 horas.
Cuando llegás al venue hay una fila en donde te ponen un sticker y te requisan todo el carro. Puedes ingresar toda la comida que quieras y licor, siempre y cuando no esté envasado en vidrio. Después de eso podés empezar a armar tu carpa y tu canopy, que fue lo que hice, pero al final decidí dormir todos los días en la camioneta con una colchoneta que, al bajar las sillas de la parte de atrás, quedaba tan cómodo como dormir en una cama.  Recomendado hacer esto. No solo porque en serio es más cómodo, sino que por la noche no hace tanto frío como en una carpa. El espacio donde iba la carpa finalmente lo destiné para montar unas sillas y unas mesas que había llevado, para tener dónde comer y descansar cuando no estuviera durmiendo en el carro y parchar con el resto de personas que acamparon al lado mío.

Los que hacen car camping deben llegar un día antes, así que llegué el jueves en la tarde, pero el festival empezaba solo hasta el viernes en la tarde. Te juro que no había empezado a armar la carpa y ya me había hecho amigo de todos los que estaban acampando al lado mío. Y si bien abrían las puertas del festival al siguiente día, ese mismo día ya había música, fiesta y beer pong en la zona de camping.

FELIPE: Hablame de cosas que creíste que iban a ser útiles y terminaron siendo inútiles. ¿Qué ideas llevabas del festival y con cuál realidad te encontraste?

@tovar.henao: Como te había contado antes, al ver tantos blogs y videos de personas contando su experiencia en versiones anteriores de Coachella fueron pocas las cosas que al final no sirvieron. Además de la carpa que la llevé a pasear, creo que de lo único que me arrepiento fue de no haber llevado mi cámara profesional, ya que creo que la pude haber metido fácil, pues los filtros del Car Camping no eran tan exigentes como los filtros de las personas que no acampaban. Pero igual pude llevar una cámara análoga de 35mm.

FELIPE: Algo que me pasó este año en el Estéreo Picnic es que sentí que el evento estaba a la altura de los festivales que siempre hemos idealizado afuera, pero no he asistido a ninguno así que no puedo comparar realmente. ¿En que se parece Coachella al FEP y en que no podría ser más diferente?

@tovar.henao: ¿En qué se parecen? En que los dos tienen una rueda de la fortuna 😂
Pero no, mentiras; creo que una vez dentro del venue, la experiencia es muy similar a la de cualquier otro festival, no solo el FEP: buena música, gente parchada, muchas fotos para Instagram y outfits extrovertidos. Pero si vamos a hablar de diferencias, esto es lo que tengo para decir:

1. Line up: No digo que el line up del FEP no esté bien curado, lo han hecho muy bien la verdad, incluso hay muchos artistas que estuvieron en ambos carteles este año, pero si ves el historial de carteles de Coachella puedes ver cómo no solo traen artistas muy grandes, sino muchos al mismo tiempo. Es un artista grande tras otro y es muy impresionante. (Y eso que el line up de este año está lejos de estar en el top de otras ediciones)

2. Artistas invitados sorpresa: Creo que esta es una de las cosas que más me llamó la atención y que hace que la boleta se pague antes de haber entrado: vos fácilmente podés ir a Coachella a ver a uno de tus artistas favoritos en vivo, y terminas viendo a uno que te gustaba más. Este año quería ver a Kali Uchis, y terminé viendo a Tyler, The Creator y a Omar Apollo en la misma tarima. 
Este año, entre los invitados sorpresa estaban The Weeknd, Billie Elish , Blink 182, James Blake, Thundercat, Post Malone, José Feliciano, Jaden Smith, Arcangel y Peso Pluma (y seguramente otros que quizás me perdí), artistas que fácilmente pueden encabezar otro line up. (Ahh, también invitaron a Zendaya)

3. Distribución de stages: Si bien en todos los festivales hay que caminar mucho para ir de un escenario a otro, en este me pareció que lo tienen muy bien pensado según el cronograma, ya que los artistas grandes tocaban siempre en escenarios uno al lado del otro. Lo que hace que no tengas que caminar tanto a medida que avanza el festival.

4. Estaciones de agua, baños y carga de celulares: Coachella tiene muchos, muchos baños (aseados) y el acceso a agua gratis es abundante. Incluso, cuando las personas están aglomeradas esperando durante horas a un artista, el festival se encarga de arrojar botellas de agua al público cada cierto tiempo para evitar desmayos por deshidratación mientras empieza el show.

5. La cultura del Festival: Noté una gran diferencia entre cómo se comporta la gente en un festival:  este fue el primer concierto donde no me empujaron ni una sola vez y nadie se intentó meter más adelante de lo que yo estaba, o por lo menos no sin luego pedir disculpas; cuando alguien necesitaba salir del tumulto, pedían permiso y las personas abren pasillos. Y cuando uno está esperando a alguien, nadie, absolutamente nadie se intenta meter más adelante. Quizás esto suene muy banal,  pero para mí hace una gran diferencia en cómo se vive un festival de música. Por ejemplo, en el Primavera Sound en el Sónar en BCN, las personas no respetan eso y no hay duda de que este tipo de comportamientos generan mal ambiente y rompen con el mood en el que uno está. Y por último, no voy a decir que no había basura en el suelo, pero sin duda mucho menor a la que uno ve en otros festivales.

6. Acampar:  tener la posibilidad de ir a descansar, bañarse, comer o de tomar lo que quieras (o pegarte un porro) sin pagar los precios del festival cambia toda la experiencia. No solo por la comodidad de tener tu “casa” a solo 10 minutos caminando e ir las veces que quieras, sino también por el ambiente que hay en el car camping. Hay fiesta las 24 horas. Incluso, cuando se acababa el festival, había una tarima en la zona de camping en la que había fiesta llamada “Silent Party”:  luego del toque de queda abren un boiler room en donde la música se escucha con audifonos y va hasta las 4:00 am. Así los que quieran fiesta siguen con fiesta, y los que quieren dormir, duermen.

7. Precio: Comparado con el precio de un festival en Colombia, Coachella es muy barato. El FEP este año creo que costó… ¿$1'500.000? Con 400 mil pesos más puedes comprar Coachella.

FELIPE: ¿Cuál fue la experiencia más californiana que tuviste?

@tovar.henao: Además de Coachella per se, manejar a 120 km por hora y sentir que estaba frenando el tráfico.

FELIPE: ¿A qué se parece más Coachella: a salir a mochilear, a una convención de influencers o a un concierto inolvidable?

@tovar.henao: Creo que literal son las tres en una.

FELIPE: ¿Qué era esa espiral de colores a la que todo el mundo le tomó foto?

@tovar.henao: Creo que en cada edición llevan a artistas diferentes para montar esculturas gigantes alrededor del venue, pero esa en particular era básicamente un “edificio” con una rampa en espiral, en donde a medida que subías, los colores de los acetatos cambiaban y podías ver todo el venue del festival desde cada piso. La verdad es que es más divertido verlo desde afuera, viendo como todos suben en fila y en espiral... Desde arriba podés dimensionar la cantidad de gente que hay en el festival, y que desde abajo es imposible ver. 

FELIPE: Hablemos de ropa. En ese sentido el FEP se parece más a Glastonbury que a Coachella y creo que eso pone en evidencia a las personas que van por primera vez. ¿Existe la moda de festivales o es solo una excusa para disfrazarse? ¿Una pinta memorable que hayas visto?

@tovar.henao: Esto fácilmente merecería una conversación completa. Obviamente, como en cualquier festival de música, la ropa siempre será protagonista. Pero en Coachella se nota mucho el esfuerzo que las personas ponen en cómo se ven. Vi unos outfits que como decís parecen más un disfraz, pero que no dejaban de ser atractivos, solo que no sé qué tan oportunos eran para disfrutar el festival porque, la verdad,  entre más atractivo era el outfit, yo sentía que más incómodo era para vivir la experiencia. Sobre todo por el cambio de clima. De día hace un calor y un sol brutal, y de noche hace el frío de Bogotá; esta era otra de las ventajas de acampar, que podías ir a cambiarte a la hora que quisieras y no tener que quedarte con el outfit veraniego cuando empezara a invernar de noche.
Quizás es algo similar a lo que pasa en el Fep (guardando proporciones) donde la comodidad de vivir el festival al parecer está al otro extremo de poder tener un outfit chimba. O te llevás los tenis chimbas o unas botas para el pantano. O muestras el outfit nuevo o te llevas una chaqueta y un impermeable que te tape todo.

Por eso, pienso que pensar la ropa en función de la comodidad y no de los likes en Instagram siempre va a ser la mejor opción.

FELIPE: Dame un highlight y el momento más anti climático.

@tovar.henao: Highlights:
- Bad Bunny dando un discurso de 2 minutos en español (y la forma en la que mostró la historia musical de Puerto Rico desde la salsa hasta el reggaetón)
- Cuando me enteré que habían agregado a Blink 182 y James Blake al line up. 

- Ver el show de drones 3D en el aire de BlackPink. Impresionante.
- Todo el show de Rosalía (y que haya invitando a Rauw Alejandro a cantar con ella)
- Todo el show de The Chemical Brothers. Pfff.
- Y por último, haber visto a Frank Ocean en vivo. (Lo que duró fue hermoso)

Momento más anticlimático: 

- Bad Bunny invita a Post Malone a la tarima, pero se les daña el sonido. Eso rompió sin duda con el mood de la fiesta, pero al final pudieron terminar el show igual muy arriba.
-Frank Ocean empieza el show una hora tarde y lo acaba una hora antes. Este fue el cierre del festival. Según lo que leí, fue el peor cierre de la historia de Coachella. Shit happens (?)

FELIPE: ¿Qué le hace falta a nuestros festivales? ¿O crees que Coachella es más una idea que un festival inigualable?

@tovar.henao: Creo que con la llegada del Primavera Sound a latinoamérica los festivales que solo operaban por países, como El FEP, van a tener que ponerse las pilas y proponer más. Esperemos que esta competitividad ayude a tener una mejor logística, venue, precio, y line-ups que no se repitan. Sé que no preguntaste esto, pero debo decir que es una cagada que teniendo “la ciudad de la eterna primavera”, los organizadores  hayan elegido a Bogotá como sede principal.  

Necesitamos en Colombia un festival grande en tierra caliente (además de La Solar), en un lugar donde no llueva.

FELIPE: ¿El público de Coachella estaba tan muerto como parecía en redes?

@tovar.henao: Así es. En Bad Bunny vos podías saber quiénes eran los pocos latinos. De resto, la gente está grabando mucho y bailando nada.

FELIPE: ¿Una pregunta que te hayas hecho deambulando por ahí?

@tovar.henao: ¿Cómo será de chimba la fiesta que se arman todos los artistas en Coachella cuando no están en tarima, que además vienen artistas a cantar gratis? Recordemos que esta gente está parchando con los amigos en el patio de la casa. 

FELIPE: ¿Qué tan traumática es la experiencia del aseo y el cuidado personal si no eres un mega influencer en Coachella? Porque en el FEP todos coincidíamos en algo: la única activación de marca que hacía falta era una de Familia: pañitos húmedos, antibacterial, jabón de manos… creo que es una gran oportunidad de mejora para el próximo año, no sé si para los organizadores o para las marcas: crear experiencias que resuelvan necesidades inmediatas.

@tovar.henao: Acampar fue mucho menos traumático de lo que pensaba; en realidad todo estuvo muy bien en ese sentido. El festival tiene destinados baños que arreglan y succionan dos veces al día y unas duchas en RVS con agua caliente. Muy cómodo todo. Igual creo que la comodidad también depende de qué tanto te hayas preparado para ir. 

FELIPE: ¿Qué te quedó faltando? ¿Qué sobró?

@tovar.henao: Quedó faltando más baile, más Frank Ocean y mucho hielo. Quizás sobró un toque de comida.

FELIPE: Completa esta frase: hay que bajarle el hype a…

@tovar.henao: …los outfits incomodos.

FELIPE: El boom latino es real. ¿Cuál crees que sea el próximo genero en sacudir el panorama?

@tovar.henao: Es real. Lo que hicieron Bad Bunny y Rosalía fue increíble. Pero me parece que en cierto punto el idioma sigue siendo una gran barrera:  muy similar a lo que pasó con Drake en el FEP: Que nos encanta la música pero no sabemos la letra. Y en el reggaetón y el hip hop las letras son las que te terminan de conectar con el artista, no solo la pista.

Próximo género: regional mexicano. No por nada Becky G invitó a Peso Pluma a la tarima.

FELIPE: ¿Line up soñado? Vivos o muertos.

Antes de entrar al venue, Coachella tiene exhibidos cada uno de los carteles de los festivales que han realizado. No voy inventarme un line up nuevo, porque el line up soñado vi que lo hicieron el 2006: de headliners tenían a Massive Attack, Daft Punk, Depeche Mode, Madonna y Franz Ferdinan (WTF!) Pero ya que puedo soñar, a ese cartel le sumaría The Chemical Brothers, Frank Ocean , Kanye West, Radiohead, The Strokes (y por qué no, Michael Jackson y Hector Lavoe).

FELIPE: ¿A quién estás manifestando que traigan a Colombia?

@tovar.henao: The Smile (la nueva banda de Tom Yorke y Jhonny Greenwood (Radiohead)

FELIPE: Y para terminar: ¿Cómo se pilotea la tusa post festival?

@tovar.henao: Yendo a otro festival. Supongo que a Primavera Sound Bogotá 2023.

FELIPE: Eso es todo.

Fotografías: Jaime Andrés Tovar - Canon AE1 35mm / p.e. 50mm  f 1.4.

Puedes ver el resto de su diario visual aquí.

Mi recap de tres días de Estéreo Picnic está completo aquí.

Cristian Orozco empezó a bailar a los seis años. Para entender cómo encontró su vocación a una edad tan temprana es importante saber que creció en Manrique: el barrio que es sede de la Casa Museo Gardeliana y que conecta a Medellín con el legado del tango y con Carlos Gardel, su máximo exponente.

Siendo aún niño, Cristian recuerda sentirse atraído por las Tangovías que se tomaban las calles cerca a su casa durante el Festival Anual del Tango y fue así como encontró en el baile un amor para toda la vida. A los nueve años vinieron las academias de baile y con ellas los retos económicos; primero estuvo la BNF, que, con sede en el Poblado, hizo que su mamá le hiciera saber que sólo podría cubrir el costo de las clases o los pasajes. En lugar de tomar esto como un obstáculo, decidió empezar a vender ‘mecato’ en el colegio. Renunciar nunca fue una opción.

El esfuerzo valió la pena y fue gracias a esta academia que eventualmente pudo hacer sus primeros viajes fuera del país, empezando con un importante congreso de salsa en Los Ángeles y otros shows en Miami. Este periodo fue clave no sólo para su formación técnica y para adquirir destreza en diversos ritmos, sino también para darse cuenta de algo importante: quería dedicar su vida al baile, conocer el mundo a través de su trabajo y, por qué no, hacer parte de producciones de talla mundial. Hoy, con 26 años y a una semana de haber sido uno de los bailarines que se presentaron junto a Beyoncé en la apertura del hotel Atlantis The Royal en Dubái, Cristian puede decir que se está cumpliendo a sí mismo.

En cuanto me enteré de lo que había logrado a través de Instagram, le envié un DM invitándolo a que nos reuniéramos por videollamada y él, muy amablemente, aceptó. El resultado es esta conversación en donde me contó cómo fue a parar a una audición para la primera presentación en 4 años de la artista musical más respetada de esta generación, cómo es Dubái vs la idea de Dubái, el valor de crear tus propias oportunidades, los mejores bailaderos en Medellín y, por supuesto, a qué huele Beyoncé.

FELIPE: ¡Hola Cristian! Muchas gracias por estar aquí. Antes que nada, felicitaciones. Me parece demasiado increíble.

CRISTIAN: ¡Hola Felipe! Gracias a ti por invitarme a este espacio. Todavía no me la creo y por más mensajes que me lleguen en este momento todavía estoy en modo: “Marica, yo viví eso, no lo puedo creer.” A mi siempre me ha encantado Beyoncé. Es un sueño hecho realidad, todo pasó demasiado rápido. 

FELIPE: Ni me imagino. Rigor al 100. ¿Qué tan rápido?

CRISTIAN: La audición fue un lunes. Me dieron la noticia el miércoles y el viernes empezamos ensayos. Al sábado siguiente teníamos el show. 

FELIPE: Empecemos desde el momento cero. ¿Qué estás haciendo en Dubái? Porque me imagino que no te fuiste buscando específicamente esta audición. 

CRISTIAN: No, es algo que se dio estando acá. Yo tenía otro trabajo. Llegué en noviembre con un contrato hasta el dos de enero y planes para devolverme a Colombia esa misma semana. A última hora decidí quedarme un mes más porque algunas personas me hablaron de unas propuestas extras y en enero no suelo hacer muchas cosas, las academias con las que trabajo empiezan clases a mitad de mes. Entonces decidí quedarme y el 5 de enero me dijeron: “El 9 hay una audición para bailar con Beyoncé.” Y yo quedé…

FELIPE: Hagamos doble click ahí antes de seguir. Me interesa conocer cómo pasaste de estar radicado en Medellín a dar el salto a Dubái.

CRISTIAN: En resumen, tengo muchos amigos que viven acá porque una academia en la que yo bailaba en Medellín tiene sede allá y acá. A Leidy (Johana Henao), que también bailó en el show y que está radicada acá hace 9 años, la conozco de esa academia. Me habían hablado varias veces de oportunidades para venir pero no había encontrado la correcta. Un amigo estuvo de vacaciones en Medellín, fue a verme en algunos shows, me publicó en sus historias bailando y un amigo de él que tiene una agencia en Dubái las vio y le llamaron la atención. Él me mandó un mensaje por Instagram pero yo nunca lo vi. 

[Risas]

Al mes, cuando mi amigo se devolvió para Dubái, me dijo: “Cris, te hablaron. Puede ser un contrato bueno.” Entonces hablé con él, me preguntó si era coreógrafo y me habló de un proyecto para ser el coreógrafo de las presentaciones en un hotel durante dos meses. A partir de ahí todo se dio súper rápido en un mes. Fue muy chévere.

FELIPE: Bueno entonces llegaste a Dubái. ¿Cómo fue ese cambio? Me imagino que fue tremendo choque cultural.

CRISTIAN: Mira que yo también pensé que iba a ser súper duro y más porque yo estoy muy acostumbrado al ambiente gay y lo liberal, entonces estaba pensando en los tabús y esas cosas. Pero al llegar vi las cosas muy normales y algunos amigos me explicaron que hace unos dos años ha ido cambiando mucho todo. Hay demasiados turistas y eso acelera que todo cambie para que la ciudad sea tan atractiva como quieren que sea. Entonces la verdad no me ha tocado duro, ni he sentido un choque demasiado fuerte. Mi experiencia acá ha sido súper normal, aparte de tal vez algunas miradas en un centro comercial, nunca ha habido nada discriminatorio ni maluco. A diferencia de en Abu Dhabi o Arabia Saudita, me cuentan que las tradiciones sí siguen siendo muy fuertes allá.

FELIPE: ¿Qué te ha sorprendido gratamente?

CRISTIAN: Las oportunidades. Creo que aquí hay demasiadas oportunidades y que son bien recompensadas monetariamente. Se gana súper bien en lo que sea y creo que es una de las razones de por qué la gente se está viniendo para acá.

FELIPE: ¿Y qué se puede decir de eso en relación con el costo de vida? Me imagino que así como se gana bien, también debe ser muy caro todo.

CRISTIAN: Sí. Si uno se pone a comparar por ejemplo con Colombia, un arriendo acá es lo más costoso que te puedas encontrar. La comida también. Y lo sentí cuando me tocó mercar por primera vez después de que se acabó el contrato con el que vine, que me cubría todo durante los dos meses. Pero igual pienso que se remunera lo suficientemente bien para que exista el balance. 

FELIPE: Hablemos de tu proceso. Una cosa es desear vivir del baile y llegar a lugares como este y otra es encontrar el punto de equilibrio para poder hacerlo.

CRISTIAN: Cuando yo entré a esa primera academia en el Poblado me hice pareja de baile de una niña y en algún momento la mamá de ella se dio cuenta de que yo vendía dulces en el colegio para poder costearme las clases. Ella decidió hablar en la academia y me ofrecieron una beca. Un tiempo después logré pasar al elenco principal de la academia, o sea el elenco que participa en presentaciones, concursos, viajes… y eso viene con un sueldo fijo, entonces pude ser más independiente. Estando en esa academia empecé a explorar el hip hop y el estilo urbano, que me encanta. Al año siguiente me cambié de academia y allá me ofrecieron la oportunidad de ser profesor. Aún así me tocaba tener otros trabajos; trabajé en Claro, en call centers, en OFFCORSS, también como promotor… fue un camino largo hasta poder vivir del baile.

Aunque el baile siempre fue mi prioridad y si los horarios del trabajo no me daban para seguir, escogía el baile. Mi mamá me decía: “Usted me deja morir de hambre antes que quedarse sin bailar.” Ella lo sabe.

[Risas]

Pero a pesar de todo me ha ido bien con eso porque, en los trabajos que he tenido, siempre me daban los permisos para cumplir con mis clases, conseguía el horario que me funcionaba y así duré aproximadamente hasta el 2019, cuando me fui seis meses para Estados Unidos a seguirme formando y poniendo a prueba. Regresé en Octubre sin trabajo, luego llegó la pandemia y ahí me vi cogido. En 2021 me cambié otra vez de academia, allá también me ofrecieron una oportunidad para ser profesor, esta vez con un mejor sueldo, y gracias a Dios desde el 2021 he podido vivir del baile.

Mi trabajo fijo es ser profesor, pero también aparecen oportunidades para hacer comerciales, bailar en festivales como La Solar, trabajar con artistas… He estado trabajando con Mar Mejía, a quien amo, dándole clases y como bailarín. Son esos proyectos extra los que hacen todo más fácil.

FELIPE: Pienso que con muchos trabajos creativos salir adelante puede convertirse en una cuestión de qué tanto mostrás tu trabajo. Por ejemplo, si alguien trabaja en diseño gráfico, a lo mejor las oportunidades aparecen cuando se trabaja bien y se comparte ese trabajo. Pero con esto que me has dicho, me pregunto si el voz a voz y la reputación que te has creado han sido suficientes para mantenerte vigente. ¿Cómo se mantiene vigente un bailarín aquí en Colombia?

CRISTIAN: Siento que todo tiene que ver. En la pandemia todas las audiciones eran virtuales y ya de entrada eso implicaba tener un buen registro de lo que uno hace. O también decían “envíame tu Instagram” y ahí pueden ver tu registro, tu portafolio, es un aspecto muy importante. Pero el voz a voz también, porque tal vez le preguntan a un coreógrafo o a una academia por bailarines con ciertas características y si no tienes esas relaciones, es mucho más difícil. Mi opinión es que sirve demasiado ir a diferentes clases. Hay muchos bailarines que se quedan encapsulados en sus propias academias y es muy importante integrarse en diferentes espacios, conocer estilos distintos, profesores que enseñen de varias maneras… eso nutre demasiado y es lo que yo he hecho siempre, también es lo que me ha ayudado a que conozcan mi trabajo en el gremio. Una cosa lleva a la otra.

FELIPE: Eso me parece muy interesante porque suena a una manera de crearte tus propias oportunidades, contrario a esperar a que las cosas pasen.

CRISTIAN: Algo que se dice mucho es que las oportunidades son para las mismas personas. Pero si coges a quienes dicen eso y les preguntas “¿Y tú qué has hecho para que la oportunidad sea tuya y no de alguien más?”, generalmente son personas que, sin importar qué tan buenas sean, no han dado pasos para dar a conocer su trabajo. Y en mi caso nunca fue una cuestión de “Voy a ir a este lugar a darme a conocer”, sino más de “Voy a ir allí a aprender”, porque mi meta ha sido ser un bailarín integral y subir de nivel.

FELIPE: Ahora sí, a lo que vinimos. Beyoncé. Ella no se presenta en vivo desde que hizo Coachella/Homecoming en 2018 y batió récords. De entrada te dicen que es una audición para bailar con ella en este mega evento. ¿Cuáles fueron los retos que asumiste para participar en este proceso?

CRISTIAN: Lo primero que me dijeron fue: “No eres el prototipo que están buscando, pero si quieres te arriesgas y tal vez te seleccionen por talento.” Yo dije: me importa un culo, voy con toda. Y con mayor razón cuando me dijeron que la audición la iba a dictar Ashley Everett, que es la capitana de baile de Beyoncé. Entonces yo dije voy a ir solo por tener esa experiencia. Luego me dijeron que había que mandar ciertos documentos que no tenía porque claramente soy turista, entonces mandé todo y especifiqué: no tengo esto y aquello, ¿puedo ser parte de la audición? y me contestaron que no había ningún problema  y que me esperaban el lunes. Los nervios que me dieron fue algo impresionante y siento que terminé haciendo más una preparación mental que física. Estuve muy ansioso los tres días antes y mis amigos me tuvieron que sacar para distraerme porque yo solo podía pensar: “no la puedo cagar, no me puedo equivocar, este es EL momento.”

FELIPE: ¿Y qué te ayudó a hacer ese trabajo mental para calmarte?

CRISTIAN: Es difícil, igual la adrenalina siempre va a estar en esas situaciones. Hay gente que dice que los nervios traicionan, pero yo pienso que me ayudan a darla más. Me acuerdo que la vez que estuve más asustado fue en mi primera competencia de tango en 2011, éramos solo mi pareja y yo en el coliseo de la Universidad de Medellín y estaba lleno, fue televisado en vivo por Teleantioquia… pero yo soy muy católico y le pido a Dios que me acompañe en esos momentos. Se trata de mentalizarse para saber que sin importar qué tan buenos sean los demás, uno también puede darla toda.

FELIPE: Entonces llega el día de la audición. ¿Qué pasa ahí?

CRISTIAN: Llegué a las tres en punto al lugar que nos indicaron. No estaba señalizado pero identifiqué a otros bailarines y caminé detrás de ellos. Adentro nos asignaron un número a cada uno, nos tomaron fotos y estuvimos allá hasta las nueve de la noche practicando una coreografía que nos habían mandado con anticipación por video, era una canción de Usher. La hicimos en grupos de cinco alternando posiciones cada vez, había que improvisar a ratos y estaban grabando todo el tiempo, porque esos videos iban a ser enviados a Los Ángeles para tomar las decisiones finales. 

FELIPE: ¿En qué momento te vuelven a contactar?

CRISTIAN: Eso fue el lunes. El miércoles pasó algo muy curioso y fue que Mateo (Betancur), el otro chico colombiano que seleccionaron, me escribió para preguntar si sabía algo y como yo soy tan recochero le dije: “Claro, aquí tengo ya la lista de todos los ensayos.”

[Risas]

Después de eso me metí al correo a revisar y efectivamente ahí estaba el mensaje que decía “Congratulations!”, ahí mismo se me aguaron los ojos.

FELIPE: Lo manifestaste.

CRISTIAN: Ahí mismo me tomé una foto, le conté a mi mamá y ella se encargó de contarle al resto de la familia. Ese día todo se supo. Miércoles a las 3:17pm.

FELIPE: ¿Cuántas personas se presentaron y a cuántas seleccionaron?

CRISTIAN: Unas 105 entre hombres y mujeres. Al final escogieron 6 hombres y 15 mujeres. Ese mismo viernes nos recogieron y nos llevaron al hotel, Atlantis The Royal, que es el nuevo. Hay dos Atlantis en la misma zona, el antiguo que tiene un estilo árabe y este nuevo que hicieron más moderno porque tienen mucha plata y les gusta tirarla pa’ arriba.

[Risas]

FELIPE: El pico de la ostentación.

CRISTIAN: Acá todo tiene que ser lo más exagerado. O sea estamos hablando de un opening de un hotel. ¿Qué hotel contrata a Beyoncé para la inauguración? Además de todas las celebraciones alrededor del evento con celebridades que ellos traen hasta acá para las activaciones: Kendall Jenner, Chloe y Halle…

FELIPE: Entonces llegaron al hotel.

CRISTIAN: Ensayábamos en el salón grande, que aquí lo llaman ballroom. Todo estaba milimétricamente marcado con cintas y señales de cómo iba a ser el escenario. Nos hacían la prueba del COVID todos los días y después tomábamos posiciones. El primer día fuimos solo los bailarines nuevos para que nos pusieran al día con los ensayos. Al día siguiente se unió al equipo de bailarines de Los Ángeles. Los ensayos podían ser de ocho horas o de doce. Dos días antes del concierto ensayamos hasta la una de la mañana porque ensayamos el show oficial completo dos veces con vestuario, setlist. Fue el mejor ensayo de mi vida. Hasta llegamos a pensar que iba a traer de sorpresa a Shakira porque incluyó Beautiful Liar, que no la canta en vivo hace años.

FELIPE: ¿Crees que inmediatamente se sintió la diferencia con tus experiencias previas en cuanto a la rigurosidad o te adaptaste fácil?

CRISTIAN: El nivel es otro. Estar con esa gente es saber que siempre tienes que hacer todo bien. Y si miras a sus bailarinas de Los Ángeles, ellas hacen cada ensayo como si fuera la presentación en vivo. 

FELIPE: A Beyoncé se le conoce mucho por el nivel de confidencialidad extrema que maneja en todos sus proyectos. ¿Te tocó vivir algo de eso?

CRISTIAN: En el contrato estaba estipulado que no se podía hablar de nada de lo que pasaba en los ensayos. Después de las pruebas de COVID nos ponían un sticker que cubría todas las cámaras del celular para que no tomáramos fotos y el día que se acabaron los stickers, nos decomisaron los celulares.

FELIPE: Quiero saber cuál es el preciso instante en que ves a Beyoncé por primera vez.

CRISTIAN: Fue increíble. El lunes nos dijeron que el ensayo iba a ser en el stage. Precisamente el día antes se había lanzado una nueva colección de IVY PARK (la marca de ropa deportiva de Beyoncé en colaboración con adidas). Yo llegué a mi posición y lo primero que vi fue a alguien que tenía una chimba de buso naranjado, un pantalón del mismo color, gorra morada, el pelo suelto, gafas, tapabocas. Y yo dije: Esa es Beyoncé. Todos nos miramos y nadie lo podía creer.

Ella se subió al escenario y empezó a revisar cómo estaba todo mientras nosotros tratábamos de actuar normal. Ese día empezó a llover y creímos que ella se iba a ir para cuidarse, pero se tapó con un buso negro y se quedó viéndonos ensayar. Yo estaba cagado del susto.

FELIPE: Yo vi algunos de los videos y estabas relativamente cerca.

CRISTIAN: Al día siguiente ensayamos otra vez en el escenario. Cuando menos pensabas te volteabas y ya estaba ella ahí al lado marcando las posiciones. Después nos dieron in-ears y era como tenerla cantándote al oído. El miércoles nos tocó la primera prueba de vestuario. Había toda una sección del hotel adecuada para ser un estudio de vestuario con máquinas, de todo. Y Beyoncé iba paso por paso con la mamá aprobando cada detalle. 

Ese día también la vimos por primera vez con el vestuario del show, el vestido rojo, y nadie lo podía creer. Se veía espectacular.

FELIPE: ¿Qué tanto pudiste interactuar con ella?

CRISTIAN: Hubo un momento en que nos indicaron a todos los hombres que saliéramos a la tarima con las máscaras del vestuario. Yo estaba muy pendiente, salí de primero y ahí estaban ella y la coreógrafa. La vi al frente mío y quedé con la misma cara de la máscara. En ese instante Beyoncé me extendió la mano y viéndome a los ojos me dijo: “You look stunning!”

FELIPE: ¿Y cómo no perdiste el control en ese momento?

CRISTIAN: Porque en el contrato estaba estipulado que no debíamos demostrar demasiadas emociones.

[Risas]

Nos dijeron que no debíamos actuar como súper-fans. Pero yo siento que era con el fin de no incomodarla, porque en realidad ella es demasiado relajada. Si tenías algo para decirle lo podías hacer. Sin embargo yo creo que ella me vio la cara y lo hizo con el fin de hacerme sentir tranquilo. Tiene unos ojos hermosos, no necesita photoshop. Es perfecta. Yo dije: “Estoy tocando a un ángel.”

FELIPE: Esa mano no se lava.

CRISTIAN: Me la voy a cortar y la voy a poner en la nevera.

FELIPE: ¿Y qué tal escucharla cantar?

CRISTIAN: Ella canta todo en vivo, la pista no tiene voz. El día que ensayamos todo el concierto creí que no iba a cantar de verdad para cuidarse para el show. En el momento del final cuando le cae agua con unos rociadores empezó esa mujer a cantar y la dio toda como si tuviera el público al frente. Menos mal tenía esa máscara puesta porque yo la miraba y se me salía la lágrima. No lo podía creer. Yo sólo miraba al cielo, la escuchaba a ella, me bajaba la lágrima y decía: “Gracias Dios.”

FELIPE: Cada Trululú que vendiste te trajo hasta ese momento.

COUNTDOWN

FELIPE: Quedan 24 horas antes del concierto. ¿Cómo las viviste?

CRISTIAN: El viernes salimos muy temprano, a las 7:00pm. Ella se veía súper tranquila pero la atmósfera era demasiado emocionante. Esa noche había una presentación de baile en la que iban a participar unos amigos con los que vivo, entonces fui a verlos y me sirvió mucho para distraerme. Se había hablado de qué pasaba si nos invitaban al after-party, porque íbamos a tener que comprar ropa, y también de cuál iba a ser el plan B en caso de que no. 

Al día siguiente me fui para un centro comercial a la 1:00pm a comprar la ropa y sólo podía pensar “Es hoy, es hoy, es hoy.”

Teníamos el primer llamado a las 3:00pm y estando allá se empezó a sentir nostalgia porque a pesar de que fue solo una semana, fue un proceso muy bonito en el que compartimos todo el tiempo, todos los días y había una energía muy alta porque sabíamos que íbamos a bailar con Beyoncé. Nadie quería que se acabara.

El llamado para el show era a las 10:20pm. A las 10:30pm empezamos a organizarnos y el concierto empezó a las 11:00pm. Duró exactamente una hora y se hizo en toda la fachada exterior del hotel frente a una fuente gigantesca de la que salía fuego, pirotecnia…

FELIPE: La hora más rápida de tu vida.

CRISTIAN: Y también la mejor. Fue muy emocionante porque el público de acá es difícil y para que aplaudan o reaccionen se necesita, pero durante todo el show se escucharon los gritos y eso me sorprendió. Es Beyoncé.

FELIPE: ¿Sentiste más emoción o nervios?

CRISTIAN: Lo que me ayudó a sentir mucha más emoción fue que ese día le conté por primera vez a mis close friends en Instagram y me empezaron a llegar muchos mensajes muy bonitos. Mi mejor amigo me mandó un mensaje que me hizo llorar… y yo casi no lloro, pero la magnitud de lo que estaba viviendo y las palabras de la gente, de mi familia, era algo increíble. La gente se inspira. 

FELIPE: Este es ese tipo de cosas que le hacen preguntarse a uno, ¿Qué sigue después de esto?

CRISTIAN: Era mi sueño más imposible. No sólo porque es ella sino porque si ves sus presentaciones, como Homecoming o el Super Bowl, es cierto que hay un prototipo de bailarines entre los hombres con los que ella trabaja. Aún así yo pensaba “Algún día”, y mirá, sucedió en menos de 15 días.

FELIPE: Es muy curiosa la manera en la que se dio todo porque no es como que te hayan dicho de esta audición seis meses antes y te hayas preparado todo ese tiempo, sino que apareció la oportunidad y pudiste demostrar que estabas listo. 

CRISTIAN: Además yo nunca me imaginé que algo como esto me fuera a pasar en DubÁi. Yo siempre pensé que para llegar a esto iba a tener que estar en Los Angeles y participar de audiciones o estar en contacto con ciertas agencias.

FELIPE: Si este es el último escalafón, ¿qué sigue de aquí? Obviamente muchas cosas, pero me pregunto si las tienes mapeadas.

CRISTIAN: Esa es la pregunta que nos hacíamos todos. Al mismo tiempo, no por haber tenido esta oportunidad quiere decir que mañana salgo en avión para Los Angeles y que tengo una gira asegurada. Me encantaría, sería una experiencia brutal hacer parte de una gira con alguien como Rihanna o Ariana Grande y estar en escenarios alrededor del mundo. Pero por el momento se trata de volver a cosas más tangibles y no enloquecerse. Por ahí ya hay algunas propuestas y eso es lo más importante.

FELIPE: Es como si hubiera que ponerse a prueba cada vez como si fuera la primera. 

CRISTIAN: Sí. Se trata de mantenerse en la vanguardia y de avanzar porque al final del día hay muchas personas formándose constantemente. No se trata de decir “ya hice esto y hasta ahí llegué.”

🔥 RONDA DE PREGUNTAS RÁPIDAS 🔥

FELIPE: ¿Qué le dirías a una persona que esté empezando en el mundo del baile y que vea este tipo de oportunidades como algo inalcanzable?

CRISTIAN: Hay que seguir. Seguir adelante y no prestarle tanta atención a los distractores o lo destructores que pueden llegar a ser algunos comentarios de la gente porque claramente todo es una evolución y un proceso. Y no todos empezamos siendo buenos de la noche a la mañana, pero si está el sueño uno debería seguir y buscar el espacio que le funcione, tener la capacidad de identificar si alguien no valora el esfuerzo y cambiar de nuevo. Hay que tener la mente abierta a aprender todo el tiempo. Por ejemplo yo no me creo el mejor bailarín y aún así pude bailar con Beyoncé. Hay que disfrutar y amar mucho el baile.

FELIPE: ¿Cuál es la mejor manera de crear oportunidades estando en Medellín?

CRISTIAN: Conociendo las escuelas y saliendo de la zona de confort para intentar diferentes cosas y lugares. Es un beneficio de doble vía porque uno aprende y al mismo tiempo se da a conocer.

FELIPE: ¿Y qué escuelas recomiendas?

CRISTIAN: Stilo Urbano es un gran lugar para empezar. Igual que Playdance. Y The Rhoom es un espacio muy versátil en Belén, enseñan diferentes estilos por clases individuales entonces es como tener diferentes opciones en un mismo lugar.

FELIPE: Parches a los que todo el mundo debería ir en Medellín:

CRISTIAN: Midnight. Qué rico perrerar en Midnight. [Risas]. También Flamante. He pasado muy bueno allá. Bangkok. Y para irse a cantar pop, me encanta Chiquita, Oráculo… esas son mis casas.

FELIPE: Del aeropuerto vas para allá.

CRISTIAN: ¡Lo he hecho!

FELIPE: La pregunta es, ¿Lo recomiendas?

CRISTIAN: ¡Obvio!

[Risas]

FELIPE: ¿A qué huele Beyoncé?

CRISTIAN: Antes de conocerla nos estábamos preguntando eso. Es un olor demasiado fresco, no es fuerte ni concentrado. No es lavanda, es un olor limpio. No sé cómo explicarlo pero es demasiado rico. Cuando me abrazó fue lo primero que hice, olerla. ¡No te conté eso! Nos invitaron al afer-party. 

Se acabó el concierto, nos dieron champaña y nos dijeron que nos fuéramos de inmediato a ponernos las manillas para entrar al rooftop del otro hotel Atlantis, el antiguo. La fiesta era en el rooftop, encima de ese espacio que tiene en el centro de la fachada.

Llegamos y vimos a Kendall Jenner, estaba allá con su marca de tequila (818), que era el trago oficial del evento. De una lo pedimos.

FELIPE: Pausa. Review del tequila.

CRISTIAN: Rico. Suave. A mi me gustó porque es suave. Aunque yo me tomo hasta el agua del baño. [Risas]. Pero estaba rico.

Beyoncé había estado sentada en la barra justo al frente nuestro y hubo un momento en que se volteó y nos vio. Se dejó venir y me levantó la mano para que se la chocara. Yo se la choqué y ella, sosteniéndome con los dedos cruzados, me dijo: “Good job!”

FELIPE: ¿Le pediste foto?

CRISTIAN: Nos dieron la misma advertencia de siempre y fue que no tomáramos fotos. Pero yo sé que si se la hubiera pedido, ella me la daba. Sin embargo no quisimos dañar el momento porque era un espacio demasiado privado y si nos invitaron, no queríamos que se sintiera incómoda. Es demasiado humana. Yo he bailado con artistas que después del show ni siquiera te saludan y ella se dio a la tarea de reconocernos y decirnos que hicimos un buen trabajo. Se quedó hasta las 5:00am, nos abrazó y se despidió.

FELIPE: Una noche para la historia. 

CRISTIAN: El ambiente fue lo mejor. Sonó Michael Jackson, Bruno Mars… cuando me pusieron Bad Bunny a las cuatro de la mañana fue que empecé a darla toda, yo era el que las cantaba todas. Luego salimos a ver la vista desde el balcón para absorber ese momento y yo no lo podía creer. No necesitamos la foto.

FELIPE: Para ir acabando… tres habilidades que te han ayudado a llegar hasta aquí.

CRISTIAN: Dedicación. Constancia. Y paciencia. Uno no puede pretender que las cosas sucedan de la noche a la mañana y siento que la gente ahora es muy dada a querer todo ya. Salir en un video ya. Subirse a un escenario ya. Y todo es un proceso en el que hay que trabajar de la mejor manera posible. Yo no llegué a Dubái porque estuviera desesperado por viajar, me contactaron por mi trabajo y se me dio. Pero sí sabía que llegar aquí estaba en mis intenciones, solo estaba esperando la oportunidad correcta.

FELIPE: ¿Qué trabajos te hicieron sentir orgulloso de ser bailarín antes de este logro?

CRISTIAN: Mi primer trabajo importante fue una audición cerrada para bailar en Chica HTV 2013, cuando el canal y el concurso eran un boom. Yo era menor de edad y aún así nos seleccionaron a otro amigo y a mí. Ahí tuve la oportunidad de estar con Maluma, J Alvarez, Chino y Nacho, Pipe Bueno, Fanny Lu.

En estos últimos años he trabajado más como profesor y lo que me llena mucho es ver la satisfacción en mis alumnas, poderles transmitir la pasión por esto y sentir el agradecimiento de las mamás cuando se acercan y me dicen que quieren que yo siga acompañando sus procesos. 

FELIPE: Un proyecto soñado que quieras manifestar…

CRISTIAN: La gira con Beyoncé. Para el nuevo disco, Renaissance.

FELIPE: ¿Si alguien quisiera tomar clases con Cristian Orozco, cómo lo puede hacer?

CRISTIAN: Todavía no sé. Tengo tiquete de regreso para el dos de febrero pero creo que no me voy a ir ese día. [Risas]. He recibido algunas propuestas para dar clases en una academia, entonces quiero aprovechar que ya estoy acá para tener un poquito más de recorrido. Pero a Colombia sí quiero volver y cuando esté en Medellín, si alguien quiere clases personalizadas me puede escribir por Instagram.

FELIPE: Bueno en Dubai ya es casi medianoche, no te quito más tiempo. Muchísimas gracias por sacar el rato para compartir esta historia tan increíble y de nuevo felicitaciones por haber estado ahí.

CRISTIAN: Gracias a ti por querer escucharme y por compartir la emoción. ¡Qué tengas buen día!

¡Llegaste al final de otra historia exclusiva de este blog! Gracias por leer hasta aquí. Podemos seguir conversando al respecto en los comentarios, DMs, Whatsapp y demás :)

Agradecimiento especial a mi amiga Mariana García, bailarina radicada en Canadá, que me ayudó a prepararme para esta conversación.

FOTOGRAFÍAS: Cortesía Cristian Orozco.

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Hace un tiempo me empecé a preguntar si la sensación de que algo está pasando en Medellín es una percepción generalizada o una especie de optimismo personal. Ese algo, por supuesto, tiene que ver, al igual que las demás historias de este blog, con la industria creativa y las personas que desempeñan un papel clave en su expansión hacia nuevos horizontes que quizás en otro momento fueron impensables para la ciudad. Historias como la de una marca de ropa Made in Medellín que hoy se une a la plataforma de streaming más grande del mundo para apoyar el panorama musical de una ciudad que está reescribiendo su legado. Historias como la de Daniela Valencia, Spotify y TRUE. 

Tal vez una mejor pregunta sea de dónde viene esta sensación: en parte, pienso que la era digital ha desdibujado los límites de lo que consideramos posible: pareciera que cada día descubrimos otra historia inspiradora en redes, un caso de éxito aparentemente lejano que nos recuerda que aún hay personas soñando ahí afuera y que es válido querer algo similar y empezar desde cero. En otras ocasiones, una serie de eventos afortunados se cruzan en el camino del trabajo duro y entonces esas historias asombrosas no pasan tan lejos de casa y suceden en lugares como Medellín. Posiblemente la sensación de que está pasando algo no sea más que un presenciar cómo florecen los resultados de años de esfuerzos colectivos por sembrar una idea distinta de la ciudad. Y pocas cosas han capturado el espíritu de esos esfuerzos y de nuestra época como la música y la moda lo han hecho en Medellín.

Estas dos manifestaciones culturales reflejan todo lo que somos, pensamos y sentimos en algún momento dado y así es como obtenemos una representación de las corrientes populares — lo mainstream — y las subculturas. En el caso de Medellín, sería limitante reducirla a un extremo o al otro; sería también un auto-engaño no admitir que hoy en día nuestra identidad visual y sonora está ligada al punto más álgido de lo urbano. Y lo que entendemos por urbano en este caso no es más que todas esas herencias que hemos recibido de géneros musicales como el rap, el hip-hop, el R&B y, más recientemente, el reggaetón. 

Medellín es una ciudad con un sonido propio que se construye desde adentro y que gracias a la era del streaming y a plataformas como Spotify se ha expandido más allá de límites inimaginables, llevándose consigo a todos los rincones del planeta canciones, historias e imágenes de productores, artistas, fotógrafos y directores creativos locales como Daniela Valencia, una mujer que tiene su dedo en el pulso cultural de la ciudad y que hoy está contribuyendo a crear el look de Medellín a través de la ropa que define este momento con su marca de streetwear, TRUE. 

Que Spotify y TRUE hayan decidido unir sus esfuerzos creativos a través de una colaboración para apoyar el talento de Medellín es más una unión destinada a suceder que una mera casualidad. A través de una cápsula de 5 piezas de edición limitada e inspiradas en cuatro artistas clave para entender el momento musical que atraviesa la ciudad, Spotify y TRUE envían un mensaje claro: Medellín está en el mapa y es una ciudad en la que se vale expresarte como quieras y soñar con lo que quieras.

Con motivo de este emblemático proyecto, que se realiza en el marco de la Casa Spotify Medallo, me reuní con Daniela Valencia para que sea ella misma quien nos cuente, en sus propias palabras, cómo fue exactamente que llegó hasta aquí, cuáles han sido algunos de sus retos creativos más grandes hasta el momento, qué la inspira, qué opina del momento por el que está pasando la industria creativa en Medellín y, por supuesto, para que nos cuente dónde comprar la colección de TRUE x Spotify y así celebrar la creatividad de Medellín.

El 100% de las ganancias de esta colaboración serán donadas a Sonido Perpetuo, un nuevo estudio de grabación en el barrio Perpetuo Socorro de Medellín en donde se seguirá construyendo el sonido de la ciudad.

TRUE X SPOTIFY

La colaboración True x Spotify está disponible aquí.

Para más información sobre la Casa Spotify Medallo, su programación y cómo asistir hasta el 3 de noviembre, puedes ingresar aquí.

Si estás en México, TRUE ya está disponible online aquí.

Sebastián Sánchez se acuerda de cómo le empezó a gustar la fotografía y sabe de dónde viene su gusto por la música. Se podría decir que ha pasado la mayor parte de su vida balanceando estos dos intereses hasta encontrar un punto de equilibrio que, al parecer, ya está aquí: a sus 25 años es el fotógrafo y director visual de Feid.

Reclamar un título como ese ante uno de los compositores más importantes del género urbano latino en el mundo no ha sido un camino de rosas, aunque tampoco una tarea completamente imposible si se tiene en cuenta que existen lazos familiares entre Feid y él.

Ese es un dato imposible de ignorar en esta historia, como lo es también el hecho de que al momento de hablar de negocios, no ha facilitado un camino que siempre estuvo disponible pero nunca asegurado. Y es que si bien esta podría ser una historia más de alguien que se encontró con unas condiciones favorables en su vida, termina siendo más una lección en escucharse a uno mismo y un encuentro con la determinación, el trabajo duro y el respeto por el proceso; un proceso que me alegro de haber podido ver durante los últimos años, a veces de cerca y otras a través de redes sociales.

Sebas y yo nos conocimos en clase de Fotografía III mientras estudiábamos comunicación audiovisual en la Universidad de Medellín. Lo sé porque el único proyecto de semestre que recuerdo de esa clase es el suyo: un micro documental sobre el Metrocable de San Javier con un nivel de factura que nos dejó a varios reconsiderando si estábamos en el lugar correcto. Ese día me quedó una cosa clara: la próxima vez que presentara algo, tenía que prestarle atención. 

Siete años después, mientras esperaba para encontrarme con él en Starbucks de Laureles, pensé en esa clase y llegué a la conclusión de que no me había equivocado; ahí estábamos: una carrera, un par de comerciales, una pandemia, algunos videoclips y una gira con Feid por Estados Unidos después, el Sebastián que me encontré ahora tiene suficiente a su nombre para ser uno de los realizadores audiovisuales más destacables de Medellín en nuestra generación.

¿Cómo se pasa entonces de una crónica sobre el Metrocable a dirigir el nuevo Tiny Desk de Feid?

Esa es la pregunta que espero responder en esta conversación entre amigos.

FELIPE: No puedo empezar a decir nada sin mencionar que me parece increíble que me haya puesto de acuerdo primero con STILLZ que con vos. A eso hemos llegado. Creo que la última vez que nos vimos fue hace por ahí cinco años. 

SEBASTIÁN: ¿De buena?

FELIPE: Sí. Desde la época en la que grabaron María, cuando nos hacíamos todos en los kioscos, después vos saliste de la universidad primero, empezaste a trabajar y bueno. Han pasado… muchas cosas. Me acuerdo mucho de que nos conocimos en Foto III porque ahí fue que presentaste el proyecto del Metro. ¿Te acordás de eso?

SEBASTIÁN: Sí claro, con Alex y otro parcero.

FELIPE: Yo me acuerdo que ese proyecto la rompió y fue como “¡Huy! Estos van a salir con algo.” ¿Siempre supiste que te gustaba el mundo audiovisual?

SEBASTIÁN: Perro, yo desde muy chiquito, como desde los 11-12 años, aprendí a editar. Y no es que tuviera los súper computadores porque como hasta los 14 tuve uno de esos gordos, pero yo les instalaba guevonadas y me ponía a ver videos en YouTube. Yo tengo una sobrina que canta y a esa edad decíamos cosas como, “¡Qué caja hacer un noticiero!”, entonces nos poníamos a grabar y yo era el que los editaba, tratando de que se pareciera a los reales. Yo aprendí con Sony Vegas, ni sé cómo hice pero me le metí por ahí 3 o 4 días y aprendí.

Es más, mi computador era tan suave que nisiquiera le podía instalar Premiere y yo ya veía gente dizque en After Effects. Aprendí haciendo videoclips caseros y entonces mi familia decía “Sebas ya sabe hacer videos, que le haga el video de cumpleaños a la sobrina.”

FELIPE: Mijo, usted que es audiovisual…

SEBASTIÁN: Literal. Así fue como terminé sacando fotos por ahí y haciendo uno que otro video, estando en el colegio y sin haber estudiado. Mi hermanita había empezado a estudiar fotografía y me decía cosas como “Vendí unas fotos pa’ esta fiesta, ¿Se le mide a hacer el video?” Y yo sin saber de resolución ni de algunas cosas le decía “¡Hágale, yo me le mido!”

Luego entré a la U y me di cuenta de que me gustaba mucho la dirección de fotografía, pero nunca me entendí muy bien con las luces porque me parecía algo complejo y demasiado técnico. También me di cuenta de que tenía habilidades para el montaje entonces empecé a afinar.

Cuando uno empieza a sacar proyectos se da cuenta de todo lo que implica una producción y yo noté que me gustaba meter la mano en varios aspectos, pero no lo podía hacer estando solamente en foto. Por ejemplo, yo podía estar en cámara, pero pensando que no me gustaba una cosa o la otra y desde esa posición el equipo no me copiaba.

Más adelante, cuando ya estábamos en Documental, dije “Listo, me voy a tirar a dirigir”. Con Alex, el mismo de Foto III, hicimos un documental de música sobre una banda de acá de Medellín que se llama Perseo. Fue mero sufrimiento porque fuimos encontrando la historia a medida que avanzaba el curso pero al final logramos sacar algo chimba y a la gente de la U les gustó. Ese documental lo terminamos en Julio y le dije a Alex: “Perfeccionemos y lo mandamos al FICCI, yo le tengo fé al proyecto.” 

Terminamos pasando a la categoría de nuevos creadores y yo hasta me puse a llorar, eso fue una locura. La experiencia nos abrió muchas puertas y la gente lo empieza a mirar a uno diferente.

FELIPE: ¿Diferente cómo?

SEBASTIÁN: Algo que a mi me retaba mucho es que yo miraba pa’ los lados y veía a otros equipos o a los compañeros de ese tiempo y pensaba “Estos maricas están muy duros, yo quiero estar a ese nivel!”, entonces me metía a estudiar más cosas y ahí fue que aprendí Premiere, aprendí de planimetría… yo me quería destacar, pero no lucirme. Esa no es mi personalidad. Quería destacarme desde lo que yo sé hacer, videos. Así me di cuenta de que podía dar un poquito más. Y otra cosa de la que me di cuenta es de que quería estar en el mundo de la música.

FELIPE: ¿Cómo te diste cuenta de eso?

SEBASTIÁN: Yo siempre he sido muy musical, mi familia también. Y de cierta manera uno se da cuenta de qué lo llena realmente. Como te decía, hicimos un videoclip a los 12 años sin tener idea de nada. Yo le decía a mi sobrina, Mariana, “Qué bacano algún día hacer algo como lo que sale en HTV.” Yo crecí viendo eso.

FELIPE: Yo iba de HTV a MTV. Harina de todo costal.

SEBASTIÁN: A mi nunca me gustó MTV porque me gustaba más la música latina. Además yo desde chiquito he sido súper reggaetonero.

FELIPE: Sólo videos de Jessy Terrero.

*risas*

SEBASTIÁN: Pendiente del ranking, de todo eso. Yo decía “Qué chimba hacer algo así” y todo eso me influenció. Después me puse a mirar hacia atrás y es muy charro como todas esas pequeñas cosas van creando lo que a uno le gusta. Fue por eso que en Argumental nos tiramos a hacer un musical. Le dije al equipo: quiero dirigir, tengo la historia y está relacionada con música. Así fue como terminamos haciendo María, un cortometraje de ficción que se cuenta con canciones.

FELIPE: Entonces ese cortometraje fue un paso importante para re-afirmar que querías algo con música.

SEBASTIÁN: Exacto. 

FELIPE: Aquí es donde me interesa que empecemos a hablar en paralelo sobre algo más. Yo me di cuenta de que existía un Feid alrededor de ese mismo tiempo en que se hizo María. Recuerdo que se hacían comentarios sobre la relación entre ustedes y yo creía que era en chiste, pero luego supe que había algo ahí. ¿Feid y vos son primos, primos?

SEBASTIÁN: Primos primos. Yo soy Sebastián Sánchez Villada. Él es Salomón Villada Hoyos.

FELIPE: Teniendo en cuenta eso y que eventualmente Feid se convirtió en FEID, ¿Cómo se dan las cosas para que ustedes empiecen a trabajar juntos? Porque con una relación familiar de por medio y con el hecho de que las carreras de los dos se complementan, se podría hablar de cierta expectativa ahí, ¿No?

SEBASTIÁN: Ha sido todo un proceso. Cuando yo estaba en tercer semestre él sacó Morena, que fue el primer sencillo que se volvió famoso, localmente hablando. Un día fui a una sesión acústica con mi cámara a tomarle unas fotos y a él le parecieron una chimba. Yo camellaba con otro parcero y hacíamos cubrimiento de eventos. En ese mismo tiempo nos salió la oportunidad de grabar el cumpleaños #30 de J Balvin. 

Ese día tuvimos muchos problemas logísticos porque no teníamos cámaras, todo era prestado…

FELIPE: Problemas de inexperiencia pues.

SEBASTIÁN: Epa. No conocíamos los equipos y ese material nos quedó todo oscuro, después nos tocó resolver para poderle entregar eso al amigo que le estaba regalando el video a Balvin. Nosotros ya habíamos hecho un par de cosas que al man le habían gustado, por eso nos abrió esa puerta. Y no es que la hayamos cagado del todo, pero él no quedó muy a gusto. Todo pasó muy rápido.

Por esos días, mi primo ya estaba trabajando en Infinity Music y GINZA estaba por salir. Era la época de ‘Sigo Extrañándote’, ‘Energía’… Ese marica estaba trabajando duro y por eso nos encontramos en ese cumpleaños. Así fue como él vio que yo también le estaba metiendo ganas y como él siempre ha creído en mi talento, ese fue el momento en el que me dijo “Venga pues trabajemos juntos.”

Uno de esos primeros trabajos fue el primer BRUTTAL. Yo tomé las fotos allá y para mi eso fue como “Gonorrea, ¿Qué estoy haciendo acá?”

FELIPE: ¿Qué tan cercanos son ustedes como primos?

SEBASTIÁN: Él es el primo más contemporáneo que yo he tenido. En mi familia todos eran o muy grandes o muy pequeños. Salo siempre fue 4 o 5 años mayor que yo y también ha sido una influencia para mi, desde cómo se vestía o lo que escuchaba… Él siempre ha sido muy pana.

Por ejemplo, a mi la lucha libre me empezó a gustar porque ese marica veía lucha libre chiquito y me hablaba de esas cosas, entonces yo llegaba todo emocionado a la casa a ver con él. Yo creo que las influencias de él son muy gringas, siempre le han gustado Eminem, 50 Cent… él es puro MTV. Yo puro HTV.

FELIPE: Osea que definitivamente tuvo mucho que ver también con que te perfilaras de cierta manera, hacia la música.

SEBASTIÁN: Sí, del todo. Uno empieza a devolverse y a darse cuenta. Como te dije, mi familia ha sido muy musical. En mi casa el equipo siempre está prendido, mi mamá siempre está escuchando música. Es muy particular.

FELIPE: Hasta aquí estamos claros con dos cosas: la primera es que ustedes ya habían tenido acercamientos laborales. La otra es que obviamente tienen una muy buena relación. ¿Por qué hasta ahora empezaste a trabajar con él a tiempo completo? Recuerdo que después de la universidad te fuiste a trabajar a Yeah!

SEBASTIÁN: Cuando mi primo empezó a subir como compositor decidió lanzarse como artista. Después de un tiempo sintió que se estaba quedando muy quieto aquí en Colombia y se fue a vivir a Miami para darse la pela. Eso fue un proceso lento y ahí hubo una desconexión, pero antes de irse me había dado 3 canciones con la idea de que yo le pasara una propuesta creativa para 3 videos. La cosa es que como yo apenas estaba terminando la universidad, la gente de la disquera dijo que no era el momento porque no tenía un respaldo de trabajo y terminaron haciendo el video de ‘Sígueme’ con otros productores de acá, financiados por esa disquera. Porque lo que íbamos a hacer nosotros iba a ser financiado por mi primo y era una apuesta arriesgada.

Al final eso no se dio, pero yo ya había entrado a trabajar como practicante en Yeah!, entonces me enfoqué en eso.

FELIPE: ¿Cómo llegaste ahí?

SEBASTIÁN: Había mandado la hoja de vida y me llamaron. Me gustó mucho la empresa porque vi oportunidades de dirección y de otros proyectos. Es una fusión de agencia y productora que crea estrategias de marketing alrededor del valor audiovisual. Camilo y Mauricio Ríos, los fundadores, vieron el potencial en las buenas historias y no en deslumbrar con equipos, entonces dependiendo del presupuesto de un cliente grabábamos con un iPhone o con una ARRI y lográbamos cosas brutales. 

Cuando me presenté les hablé del FICCI y eso les gustó mucho, de una me confirmaron que quedaba. Es una chimba de lugar, aprendí demasiado y me soltaron proyectos muy chimbas en donde pasé de hacer proyectos pequeños a dirigir un equipo de 30 personas. Atendíamos a Carulla, Éxito, trabajé con Andrea Serna, Egan Bernal, Nicolás de Zubiria… me soltaron cosas en la medida en que fui desarrollando mis capacidades. Llegué a dirigir proyectos y también estaba en procesos de post producción, edición y color.

FELIPE: ¿Cuánto tiempo te quedaste en Yeah!?

SEBASTIÁN: Como 3 años. Yo estaba muy contento, pero al mismo tiempo había estado hablando con mi primo y en Octubre de 2021 me dijo: “Perro, tengo un tour con KAROL G. Necesito a alguien que lo documente todo.”

FELIPE: ¿Feid fue el Opening Act?

SEBASTIÁN: Sí.

FELIPE: Así que él fue el de la propuesta.

SEBASTIÁN: Nosotros ya veníamos hablando desde la pandemia porque pasó algo muy particular. Yo me pasé todo ese tiempo revisando cassettes de VHS que tenía guardados de la familia. Por esos días mi primo sacó FERXXO VOL I MOR, el álbum en el que está ‘PORFA’, que se hizo muy viral. Escuchando el álbum se me ocurrió una idea:

“¿Por qué no hacemos un video con todos estos cassettes familiares?”

Me había estado preguntando mucho cómo linkearme otra vez a la música, porque yo no tenía videoclips y me había centrado mucho en comerciales, entonces le escribí a mi primo y le dije que le iba a tirar una idea para que me dijera qué le parecía.

Lo que hice fue coger un verso de AVXNTADXR y montarlo toda una noche con clips de esos cassettes familiares. Se lo mandé y él me contestó: “¡Perro, eso está muy hijueputa!”

Me dijo también que iba a grabar un performance en una terraza de Miami para que lo incluyera, pero que tenía hasta el domingo para entregarlo. Eso fue un miércoles o jueves, entonces estábamos hablando de 3 o 4 días en los que a mi me tocaba digitalizar todos los cassettes familiares, uno por uno. Se lo mandé el sábado, él hizo unas correcciones breves, lo coloricé, hice VFX y créditos. Había que enviarlo en un formato súper pesado, aparte me tocó firmar cesión de derechos de todos los familiares que aparecen en el video y como era media familia casi me vuelvo loco mandando correos.

FELIPE: ¿Qué dijo él cuando lo vio terminado?

SEBASTIÁN: Al final llegamos a lo que queríamos. Él quedó muy feliz y ese video fue el momento en el que los de la disquera vieron lo que podíamos llegar a hacer.

AVXNTADXR me dio credenciales y me gané la confianza del equipo. 

FELIPE: ¿Había algo que te generara dudas?

SEBASTIÁN: La incertidumbre era qué iba a pasar al mes siguiente y luego al otro. Porque yo en Yeah! estaba muy bien, con un sueldo fijo, prestaciones… pero también me convencí de que esta era la oportunidad para entrar a la industria de la música y hacer lo que me emociona.

FELIPE: Entonces el video fue la puerta para todo lo demás. ¿Qué fue lo que más te sorprendió de ese proceso?

SEBASTIÁN: Los comentarios de la gente. Habían personas que se identificaban mucho con el video y creo que con el hecho de que era una familia tradicional en una casa paisa, viviendo algo como una primera comunión, una natilla… Ver a Feid en ese escenario fue algo diferente y también una manera creativa de resolver una oportunidad en la pandemia.

FELIPE: ¿Te sentaste a leer los comentarios del video?

SEBASTIÁN: Todos. No sé cuántos había pero los leí todos. Era emocionante porque era mi primer video para Feid. Obviamente lo que yo hacía en la agencia eran comerciales grandes y había comerciales para televisión que también recibían comentarios pero no era Sebastián Sánchez como productor, era Yeah!

Después de ese video me empezó a seguir mucha gente, también salí en Billboard.

FELIPE: Sí, lo recuerdo.

SEBASTIÁN: Yo pensaba “¿Qué es esta mierda tan loca?”, porque lo veía como yo haciéndole un video a mi primo. Yo no le veo a él como FEID. Es como si tu hermana se volviera famosa de un día para otro, vos la vas a seguir viendo como tu hermana. Es muy loco vivir ese cambio porque cuando él cantó en BRUTTAL, donde yo le tomé las fotos, salimos de ahí y a los 20 minutos estábamos en el Parque del Poblado comiendo perrito y a nadie le importaba. Pero años después yo estaba en Bogotá grabando unos videos y le dije que nos encontráramos. Él estaba allá para un show, entonces me invitó y cuando lo vi salir de la van todo el mundo era gritando “FEID! FEID!” y lo tuvieron que entrar de una. Yo me decía “¿Qué es esta locura? ¿Qué ha pasado en todo este tiempo?” 

FELIPE: ¿En qué momento te diste cuenta de que él era famoso?

SEBASTIÁN: Ese día. Pero yo todos los días me asombro de lo que él consigue, porque he estado en esas etapas cuando él no era FERXXO, antes de que la gente se le tirara encima y le gritara cosas.

FELIPE: Volviendo al video y a que ya te habías ganado la confianza del equipo… ¿Cómo se da la propuesta de unirte a la gira?

SEBASTIÁN: Mi primo me había empezado a hablar como en Agosto. Yo le escribía “¡No me vas a dejar morir!” pa’ que no se le olvidara porque él tiene muchas cosas en la cabeza. Incluso pedí unas vacaciones en el trabajo para poder viajar desde el principio de la gira y viéndolo de cerca fue que dije “Qué chimba hacer esto.”

La propuesta fue: “Estamos buscando una persona que esté conmigo grabando todo el tiempo, generando contenido para redes…”

FELIPE: ¿Qué tan involucrado está Feid con sus redes sociales?

SEBASTIÁN: Él hace todo. En Instagram, TikTok, Twitter, todo. Ahorita tenemos una página que se llama @vacaxionesmorvelasquez y la manejo principalmente yo. Eso surgió porque él quería crear una página para molestar y publicar de todo. Entonces le dimos la clave al equipo y publicamos pendejadas del día a día ahí, como el detrás de escenas. Y eso es lo que le gusta a la gente, ver que hay más allá de FEID. 

Es muy diferente a todo lo que yo venía haciendo porque yo me la pasaba en el computador haciendo tratamientos de dirección, editando a dos manos, dirigiendo cosas… Ahora que estoy en esto me doy cuenta de que es un trabajo mucho más exigente. Se trabaja muy chévere y son experiencias muy chimbas, pero el desgaste físico es diferente y se siente. 

FELIPE: Por ejemplo…

SEBASTIÁN: Ahora no tengo un horario fijo, sino que me acomodo al de mi primo. Entonces si él tiene que estar en el aeropuerto a las 2:00am, esa es la rutina para llegar a ciertos compromisos. La disponibilidad es 24/7 y la vida de un artista es compleja.

EL PROCESO ARTÍSTICO

FELIPE: Te han seguido fans de Feid, pero también gente interesante del medio.

SEBASTIÁN: Sí, eso ha sido lo chimba porque ahora me doy cuenta de que mi trabajo tiene una visibilidad muy diferente. La mayoría de fotos que él sube se las tomo yo, los videos también y me etiqueta.

FELIPE: ¿Y te escriben mensajes cuando te da crédito?

SEBASTIÁN: Todo el tiempo. Un man en estos días me escribió algo como, “Gracias por inspirarme, sos un duro sígale metiendo…”

Y yo como “¡Uyy cuando pasó esto, van apenas dos meses camellando con este guevon!”

FELIPE: ¿Y eso cómo te hace sentir?

SEBASTIÁN: Muy bien. No por mi ego, sino porque es chimba saber que estoy haciendo las cosas bien. También es chimba saber que me lo he ganado, no es como que me quedé en mi casa sentado esperando que mi primo se hiciera famoso para yo pegarme de él. Yo me estoy dando duro en la cabeza para volverme bueno, sigo mirando pa’ los lados, viendo qué están haciendo los demás y motivándome. 

También me he puesto a la tarea de encontrarme como artista. Y puede ser difícil eso de creerse el tema del artista pero uno termina siendo un artista. Yo me considero uno. Todavía me falta mucho por mostrar, todo es un proceso y el mismo trabajo te va alimentando como creativo. Me ha tocado creérmelo todo con credenciales, con redes sociales, proponiendo ideas para encontrar mi camino dentro del mundo audiovisual… Después de mucho tiempo entendí lo que decía el profesor de literatura Oscar Jairo, que me puso a perder una materia una vez.

FELIPE: Cómo olvidarlo. Yo siento que esa es una de las cosas que él nos dejó a todos, ¿no?, esa idea de que cada persona debería tener una visión personal y contarla desde las cosas que le gustan.

SEBASTIÁN: Pero también pienso que hay mucha gente que no entiende eso. Por ejemplo aquí en Medellín hay mucha gente que se enfoca en hacerse muy técnica: muy buenos manejando una cámara, muy buenos manejando luces, muy buenos editando… Pero no proponiendo ideas creativamente o desde una visión artística. Yo veo por ejemplo muchos filmmakers de cualquier lugar y pasa que, no es que sean malos, sino que hacen lo mismo que hace todo el mundo. Y no digo que yo haga algo revolucionario, pero si trato de ser muy fiel a lo que me gusta y lo que propongo, a nutrir una misma línea de trabajo.

FELIPE: Hablemos más de eso. Yo a Oscar Jairo le rescato que era la única persona en esa facultad que te metía el cuento de que era importante tener una visión personal y desarrollarla porque, de lo contrario, ¿Qué estás haciendo? Y ese es un dilema que creo que existe en la carrera porque llega el punto de preguntarse si es una carrera técnica o artística.

Lo que dijiste tiene mucho sentido porque pienso que acá la gente se preocupa demasiado con saber cuál es la última cámara y manejarla al derecho y al revés o con tener las últimas luces, y tal vez es una parte importante del proceso pero, ¿estás haciendo tomas bonitas y ya?

Hablame de tus referentes. ¿Qué estás tratando de retratar cuando estás trabajando con tu primo?

SEBASTIAN: Algo curioso en mi caso es que yo siempre he estado muy ligado al VHS por mi familia; mi niñez y mi infancia está grabada ahí. Cuando tenía 12 años mi papá me regaló una Panasonic vieja, VHS-C y yo grababa con eso guevonadas en la casa. A mi hasta me daba pena cuando la sacaban y le decía a mi mamá que habían cámaras digitales más lindas, pero ya después estudiando volví a ver valor en esa estética y empecé a grabar cosas en VHS.

Ya he hecho un par de videos con ese look.  AMOR DE MI VIDA lo grabé con la misma cámara que me regaló mi papá… Es muy charro como todo empieza a conectarse. Me gusta mucho la estética VHS, los glitch de colores… siempre he tenido un encanto con eso. Es como un video que pudo haber grabado una tía, y que pasan cosas muy interesantes cuando uno se sienta a verlos con la familia y encuentra un montón de cosas muy espontáneas, que también me gustan mucho. 

Últimamente me he metido mucho con cosas fílmicas. Me gusta ese aspecto y la sensación que da.

FELIPE: Todo está ligado a la sensación de familia.

SEBASTIÁN: Y a lo orgánico. Yo comencé con esa búsqueda estética cuando ya llevaba un año en Yeah! Me acuerdo que Camilo, el director creativo, me dijo: “Sebas, qué chimba lo que vos hacés. Sos muy eso, tenés mucha técnica, pero yo siento que a veces no se nota que hiciste este o aquel proyecto. ¿Dónde está tu ADN?”

Y yo pensé: “Tiene toda la razón.”

Allá hacíamos algo muy chimba que era el cine foro y yo era el encargado de escoger las películas, hacer el análisis… hablábamos de qué hacía que el trabajo de un director fuera icónico y por qué alguien sabe cuando una película es de Tarantino o de Christopher Nolan. No es la técnica, sino el lenguaje y el contenido.

Eso me pareció muy chimba y fue un descubrimiento. Entonces yo ya veía videos y pensaba en los  movimientos que me gustaban. Por ejemplo, yo soy muy de cámara en mano, me encanta. Incluso en los comerciales yo tiraba cámara en mano. 

En Yeah! aprendí también que las historias valen mucho más que la técnica, vale más entender el objetivo de una pieza y llegarle de la manera más creativa posible. 

Como es el mundo ahora y con los medios digitales, para vos crear cualquier cosa no necesitás saber cuál es la última cámara. Y yo al principio era muy de equipos y de lentes, pero me he desligado mucho de eso al punto de que en este momento no tengo ni puta idea de cuál es la última cámara. No he tenido la necesidad de saberlo. Si algún día lo necesito pues va a haber una persona que lo sepa porque el trabajo audiovisual es colaborativo y entre más gente buena en lo suyo tenga el proyecto, va a quedar más chimba.

FELIPE: Y a la hora de trabajar de la mano con tu primo, ¿Cómo es el proceso creativo entre ustedes?

SEBASTIÁN: Es muy colaborativo. Él permite proponer mucho pero también tiene muy claro qué quiere, entonces se trata de tirar ideas que no se salgan de ese universo que él maneja. Aunque también trata de no casarse con un solo estilo, sean producciones grandes o chiquitas. Él experimenta mucho y está abierto a nuevas personas que puedan refrescar su proyecto.

FELIPE: Cuando es un proyecto del que no vas a estar al frente, ¿Él en qué posición te pone?

SEBASTIÁN: Usualmente cuando está haciendo videos con otros equipos me muestra el proyecto, yo lo reviso y le doy mi opinión sobre qué me gusta, qué no o cuál sería mi manera de hacerlo. Él confía mucho en mi trabajo entonces hago las veces de una especie de asesor creativo. Se vuelve una conversación entre los dos. 

DE GIRA CON EL FERXXO

BICHOTA TOUR, un ambicioso viaje que durante 31 días haría 21 paradas a lo largo y ancho de Estados Unidos, comenzando en Denver, Colorado el 27 de Octubre y cerrando el 27 de Noviembre en el legendario Choliseo de Puerto Rico, terminaría siendo una gira de primeras veces y momentos muy emotivos delante y detrás del stage: No sólo marcaba el regreso de KAROL G a los escenarios después de un hiato forzado por la pandemia, era también su primera gira por Estados Unidos, la primera de Feid, y por supuesto, la primera vez que Sebas se enfrentaría a la realidad de un tour y a las presiones de seguirle el ritmo a dos de los nombres más grandes del reggaetón. 

Fue un cambió drástico que se vio reflejado repentinamente en sus redes sociales: un día estaba compartiendo frames de algún comercial colombiano y al siguiente la ubicación de sus historias de Instagram decía Los Ángeles, California. Cualquier persona que le preste atención a los captions de Feid en Instagram reconocería una nueva constante: crédito a @SEBASSANCHEZV. No habían más expectativas ni esperas: la oportunidad estaba aquí.

¿Cómo pasas de tener una vida promedio a documentar todo un capítulo en la historia del género urbano de Medellín? Entremos en detalles.

FELIPE: ¿Cómo fue eso de estar un día en Yeah! y al siguiente subiendo al avión para recorrer Estados Unidos con Feid. ¿Te sentías listo?

SEBASTIÁN: Yo diría que la vida me ha dado un giro de 360 grados. Todo pasó muy rápido y fue un reto acoplarse al ritmo de trabajo. De hecho, antes de la gira empezamos aquí con Bogotá y Cali. Y lo charro es que yo no tenía cámara. Mi primo me dijo el tour me iba a patrocinar una y me consiguieron una GH5 que yo nisiquiera sabía manejar el primer día del show, porque yo estoy acostumbrado a Sony y Canon, entonces me tocó resolver sobre la marcha.

Realmente lo que yo sentía era que tenía que validar otra vez todo lo que había aprendido y demostrar que yo era capaz de hacer lo que hago y más. Soy consciente de que no le puedo bajar porque así como en este momento estoy trabajando con él, puede que haya otro más duro que venga detrás de mí. Y no es celo profesional sino que uno se tiene que retar. Si ya llegué acá tengo que subir un escalón más y ser muy objetivo con mi trabajo para cumplir con lo que dejaría tranquilo a un cliente. En este caso el cliente mio es Feid.

Salimos de Cali para Los Ángeles y al otro día nos conectamos en Sacramento con el tour de KAROL G. Fue muy caja porque en la costa oeste no conocen demasiado a Feid, pero cuando sonaba PORFA todo el mundo se timbraba y caían en cuenta de que era él. Cuando nos pasamos a la costa este se sentía otra vibra. Pero en todas partes lo acogieron muy bien.

El recorrido fue: Sacramento, Ontario, Las Vegas, Hidalgo; ahí se suspendió la gira unos días por algo con el COVID, volvimos 4 días a Los Ángeles, grabamos el video de AMOR DE MI VIDA. Luego volvimos a Las Vegas y se grabó el video de FUMETEO RMX, retomamos el tour en Filadelfia, dos fechas en New York, un día de descanso en Washington, después Charlotte, Atlanta, Orlando, Miami, Puerto Rico y finalmente bajamos a Medellín. Todo eso en un mes.

FELIPE: ¿Cómo pasó todo, logísticamente hablando?

SEBASTIÁN: Viajábamos en un bus de ciudad en ciudad. Solo fueron 4 aviones en los recorridos más largos, casi siempre vuelos nocturnos. Desayunábamos en el mismo lugar del evento. Nos bañábamos en el mismo lugar del evento. Íbamos al baño en el mismo lugar del evento. Se hacía prueba de sonido en la tarde y nos alistábamos para el show en la noche. Más o menos a las 2:00 AM salíamos para la siguiente parada.

FELIPE: ¿Cuántas personas viajaban en el bus?

SEBASTIÁN: 11. Éramos re panas al final de la gira, como una familia.

FELIPE: ¿Hubo un momento específico que te hiciera sentir la presión?

SEBASTIÁN: Las entregas. Tenía entregas todo el tiempo. Básicamente yo bajaba del escenario a editar fotos y videos.

FELIPE: ¿Cómo era tu ritmo de trabajo?

SEBASTIÁN: Me pasaba las fotos por AirDrop al celular, luego las editaba en Lightroom. A veces alternaba eso con la edición del video de AMOR DE MI VIDA, que se hizo en mitad del tour. Cuando tuvimos un día libre en Washington me entré como a las 8:00 pm y me puse a editar derecho hasta las 8:00 am del otro día. Me bañé, bajé con todo el equipaje para subirme al bus y les dije: Ya está listo el video. Ahí pude dormir. El cansancio físico es muy complejo porque todo es muy seguido, trasnochadas, levantarse a primera hora para ir al show, repetir. Hacia el final de la gira me sentía muy cansado. Pero uno también se parcha mucho y pasan cosas bacanas todo el tiempo.

FELIPE: ¿Qué momentos emocionantes te dejó esa gira?

SEBASTIÁN: En Estados Unidos tuve uno muy emotivo a nivel personal. Un día estábamos en NYC y yo estaba grabando PORFA. Cuando llegamos al coro, el DJ filtró la canción para que solo se escuchara el bajo y la gente pudiera cantar. Perro, uno en el teatro del Madison Square Garden escuchando a toda esa gente cantando “Te pido porfa no te vayas quédate conmigo…” Yo quedé como ¡Ay gonorrea! Se me salieron las lágrimas. Eso a mi me llena mucho porque es ver el sueño de mi primo realizado.

Otro fue el último día en PR antes de separarnos todos para volver a Medellín. Nos fuimos para San Juan de Puerto Rico a caminar y a tomar pola en La Perla. Terminamos tomando Tito’s con China (Vodka y jugo de naranja) y después de dos tragos ya estábamos todos cantando salsa y bailando en la playa. Ese parche fue demasiado top.

En La Perla tuve ese momento de “¿Qué putas estoy haciendo yo aquí? ¿Qué es todo esto que ha pasado en un mes?”

FELIPE: Y a nivel profesional, ¿Qué satisfacciones te quedaron?

SEBASTIÁN: Que hayan quedado contentos con mi trabajo. Que la gente haya podido ver lo que quiero proponer desde mi estética y todas las oportunidades que se abrieron para seguir aportando al proyecto de Feid.

El clima de Los Ángeles me gustó mucho, además de que hay demasiado por ver creativamente hablando. Puerto Rico también me gustó porque me gusta mucho la salsa y la energía que transmite la isla es muy chimba.

FELIPE: Vi que les tomaste una foto a Mora y a Eladio. ¿A quién más lograste conocer?

SEBASTIÁN: A varios productores y artistas como Ríos, Sky, Gian, Ryan Castro, Blessd… pero con la que más compartimos fue con KAROL G.

FELIPE: Yo creo que después de semejante final de año es difícil imaginar qué podría venir después pero obviamente esto apenas comienza. ¿Qué sigue para Sebastián Sánchez?

SEBASTIÁN: Vamos a estar en Argentina y en Junio tenemos la gira de Feid en Europa, que dura un mes y medio. 

FELIPE: Me sorprendería si nos volvemos a ver después de esto.

*risas*

Bueno ya para que acabemos, hagamos una

🔥 RONDA DE PREGUNTAS RÁPIDAS 🔥

FELIPE: ¿Cuál era tu set up de gira?

SEBASTIÁN: Cámara GH5, lente 12-35mm, MacBook Pro, Flash, Cámara VHS, iPhone y una camarita film con la que estoy empezando.

FELIPE: Si pudieras tener sólo 3 aplicaciones, ¿cuáles serían?

SEBASTIÁN: Lightroom, Premiere, After Effects.

FELIPE: ¿Es la persona o son los equipos?

SEBASTIÁN: La persona, con las ganas que tenga. No hay nada mejor que tener horas de vuelo. Y aprender mucho de las otras personas. 

FELIPE: ¿Qué sabes ya que no sabías antes de empezar la gira?

SEBASTIÁN: Todo el trabajo que hay detrás de la industria musical y de una sola canción. 

FELIPE: ¿La cagaste en algún momento?

SEBASTIÁN: Invicto.

FELIPE: ¿100%?

SEBASTIÁN: Bueno ya me acordé de algo

*risas*

Tomé unas fotos de un video que no ha salido y formateé la tarjeta, entonces perdí el material. Pero lo piloté con unas que saqué en film.

FELIPE: Si te dicen que tenés que estar a las 6:00am mañana en el aeropuerto, ¿Qué empacás?

SEBASTIÁN: Los equipos siempre van primero. Me llevo 5 camisetas, tres sudaderas y una pantaloneta. 

FELIPE: Y las gafas del FERXXO

SEBASTIÁN: Me tocó regalarlas! Se las llevó Ryan Castro. Yo las tenía puestas y me dijo “Huy que chimba de gafas, me las va a regalar?”

FELIPE: Esta es la historia de cómo te bajaron de pinta.

*risas*

FELIPE: ¿Qué se escuchaba en el bus de gira además de FEID?

SEBASTIÁN: Feid, pero las que no han salido. Hip-Hop, R&B. Y música de diciembre.

FELIPE: ¿Con quién te gustaría trabajar?

SEBASTIÁN: C Tangana. Sen Senra. Jorja Smith. The Weeknd.

FELIPE: ¿Quién más la está rompiendo en Medellín?

SEBASTIÁN: Óscar Vasquez. Maria Camila Calle. Jackalope.

FELIPE: ¿A quién admiras profesionalmente?

SEBASTIÁN: Santos y el equipo Little Spain. Me gusta mucho lo que han venido haciendo STILLZ, Gian. Maria Camila Calle.

FELIPE: Tres características tuyas que te hayan ayudado en todo esto

SEBASTIÁN: Ser inquieto por aprender. Tener claro que me gusta. Tratar de ser disciplinado.

FELIPE: ¿Se puede ser ‘audiovisual’ en Medellín?

SEBASTIÁN: Sí. Hay gente que está haciendo cosas muy chimbas y el medio está creciendo. Mis anteriores jefes sin ser audiovisuales crearon una empresa audiovisual.

FELIPE: ¿Qué le dirías al Sebastián que grabó el proyecto con el Metro en Foto III?

SEBASTIÁN: Que no le baje a las ganas de seguir aprendiendo.

FELIPE: Creo que todo está dicho. ¡Qué buena conversada!

SEBASTIÁN: Ahora sí, a buscar algo de comer.

FOTOGRAFÍAS: Sebastián Sánchez para FEID.

¡Gracias por haberme acompañado en otra historia exclusiva de YHLQMDLG! Como siempre, nos leemos en los comentarios, DMs, Whatsapp y demás :)

Era diciembre de 2019 y todo el combito audiovisual estaba reunido en un apartamento de Belén con motivo del cumpleaños de nuestro buen amigo Daniel Prada, quien estaba siendo distraído en algún otro lugar y pronto llegaría a su casa para sorprenderse de vernos allí. 

Por combito audiovisual entenderemos que me refiero al grupo de personas con el que compartí mi paso por la Universidad de Medellín mientras estudiaba comunicación audiovisual: amigos, conocidos y compañeros de trabajo que coincidimos a lo largo de varios años en salones de clase, kioscos del campus y alguno que otro proyecto que nos pudo haber dado grandes satisfacciones o uno de los peores dolores de cabeza de nuestras vidas. 

Esa noche pasaron el tipo de cosas que pasan en las fiestas. Y cualquier persona que haya estado cerca de una manada de audiovisuales en su hábitat natural sabe que, incluso en medio de la mejor fiesta, siempre hay espacio para hablar de tiros de cámara, colorizaciones o el último videoclip que esté dando de qué hablar. Por esos días sí que había uno.

Esto es lo que yo recuerdo:

Estábamos sentados frente a un televisor que proyectaba los videos de la playlist mientras los discutíamos. Habían pasado tal vez unos 5 o 6 cuando alguien preguntó si ya habíamos visto el video de VETE. Así que lo pusimos.

Para hacernos a una idea de qué esperar, VETE fue el primer sencillo de Yo hago lo que me da la gana (YHLQMDLG). Una manera más corta de decirlo es que íbamos a ver otro video de un reggaetonero — excepto que, como nos daríamos cuenta, esto no era eso.

El video dura 3:27 minutos en los que no vemos fiestas en yates privados llenos de mujeres bailando para hombres, tampoco personas ostentando cadenas extravagantes, armas, fajos de dinero ni carros alquilados que hay que devolver en cuanto se acaba el rodaje (aunque sí vemos dos carros). Si este no era el tipo de video musical urbano que te encontrarías en el Hot Ranking de HTV después de llegar del colegio cualquier día de 2009 o en tu feed de instagram un par de años después, entonces, ¿Qué era?

Minimalista no es un término usualmente asociado a un video del género y, sin embargo, VETE logra serlo. Sin demasiados efectos especiales ni stunts, entra fuerte sugiriendo una historia familiar que podría o no estar conectada con la propia historia de la canción y termina igual de contundente con un vortex que refuerza el montaje y la narrativa. Lo que pasa entre el intro y el outro del video es una lluvia de comentarios parecidos a estos:

¿Está grabado en película de cine? ¿O se le dio ese look?

Qué hpta plano. Y esa iluminación.

¿Cómo se hace eso?

La rompió. Mero nivel.

Sin embargo, otra pregunta se hace la más relevante:

¿Quién dirigió este video?

Cualquiera de nosotros había pasado demasiado tiempo en la universidad y consumiendo contenidos de Youtube o Vimeo como para no preguntarnos quién estaba detrás de este proyecto. Y es que aunque hablar de directores siempre ha sido un terreno que parece reservado para cinéfilos y “conocedores del tema”, la conversación sobre quienes están detrás de un gran video musical es algo con lo que todos podríamos familiarizarnos en estos tiempos donde lo audiovisual es inescapable, haciendo que un nuevo tipo de alfabetismo frente a las imágenes sea necesario.

Después de todo, un videoclip musical no es más que un gran ejemplo de trabajo en equipo, de una colaboración creativa en donde un grupo de personas unen sus talentos para trabajar por una misma meta: crear algo increíble juntos. Podríamos listar miles de personas que han aportado a la realización de nuestros videos favoritos, desde el maquillaje y los efectos especiales hasta la iluminación y la logística de un set, pero aquí vamos a centrarnos en la figura con la que generalmente toma forma una idea y que suele ser la dupla creativa de los artistas que vemos en cámara: el director.

Es probable que los videoclips se hubieran tardado más en evolucionar a lo que son hoy si John Landis no hubiera aceptado trabajar con Michael Jackson para hacer ‘Thriller’.

Antes de estar al frente de grandes películas, David Fincher nos regaló ‘Freedom’ junto a George Michael y ‘Vogue’ de Madonna.

Missy Elliott no habría redefinido lo que era visualmente posible en el hip hop de los 90 sin Hype Williams.

Shakira logró llevar el carnaval de Barranquilla por todo el mundo en ‘Hips Don’t Lie’ gracias a Sophie Muller.

Y el reggaetón, el trap en español, el género urbano latino en general, no estaría pasando por un renacimiento visual si no fuera por las mentes detrás de VETE.

Al final del video se responde nuestra pregunta:

BAD BUNNY “VETE”

DIRIGIDO POR CLIQUA X STILLZ.

Esa fue la primera vez que escuché ambos nombres. No sería la última, pues el escenario se repitió con cada video que vino después: 

• LA DIFÍCIL, DIR: CLIQUA X STILLZ

• SI VEO A TU MAMÁ, DIR: STILLZ & BENITO MARTÍNEZ

• BICHIYAL, DIR: CLIQUA X STILLZ

• YO PERREO SOLA, DIR: STILLZ & BENITO MARTÍNEZ

• UN DÍA/ONE DAY, DIR: STILLZ (En plena cuarentena)

• DÁKITI, DIR: STILLZ

• YO VISTO ASÍ, DIR: STILLZ

• HOY COBRÉ, DIR: STILLZ, ESCRITO POR: BENITO MARTÍNEZ

• BOOKER T, DIR: STILLZ

• LA NOCHE DE ANOCHE, DIR: STILLZ

• YONAGUNI, DIR: STILLZ

• LO SIENTO BB:/, DIR: STILLZ

No hay que ser la persona más audiovisual de tu círculo para tener en la cabeza por lo menos una de las imágenes de estos proyectos. De repente, los videoclips musicales de un género que llevaba años estancado visualmente empezaron a hacerse relevantes, a exigir nuestra atención y a crear conversaciones de una manera en que los videos rara vez lo logran hoy en día. Ese mismo género estaba siendo despojado de los artificios que se han vuelto paisaje para darle paso a cuadros de realidades que hablan de nuestra generación y sus lugares comunes, a narrativas tan íntimas como contemporáneas, a tratamientos que dejan asomar señales de autoría y una visión cuidada que sabe maniobrar con una buena referencia. Y todos esos videos tenían algo en común: STILLZ. 

Pero, ¿Quién diablos era STILLZ?

Esa es una pregunta que me he estado haciendo desde el 2019 y que tal vez se habría hecho irrelevante con el tiempo si no fuera porque VETE, más que un video bien logrado, terminó siendo el primer paso en la historia de una de las colaboraciones creativas más exitosas de esta época.

Una búsqueda rápida en Google sólo alimenta el mito que se ha creado alrededor de la figura: incluso en internet, donde es impensable no encontrar información sobre literalmente cualquier cosa, el artista está ausente. STILLZ ha logrado retener control sobre su identidad al punto de que parece existir sólo en los créditos de sus videos, en un par de reseñas de hace un tiempo y más notoriamente, en su cuenta de Instagram, en donde se ha comprometido con compartir exclusivamente retratos en polaroid de —es correcto— Benito y todos los artistas latinos e internacionales con los que se ha cruzado en festivales de música, backstages, estudios y sets de grabación. 

Cuando me propuse hacer este blog tenía una meta: cada artículo tenía que ser algo que no existiera en ningún otro lugar mientras me mantenía fiel a un mismo tema: creatividad y las formas en que se cruza con el mundo digital. Así que me puse manos a la obra y logré reunir varias historias que son exactamente eso. Lo que nunca pude haber planeado, mucho menos imaginado, es que mi primer invitado especial a YO HABLO LO QUE ME DA LA GANA sería uno de mis creativos favoritos y quizás el director de videoclips número uno en este momento.

Esta es una historia exclusiva que sucede gracias a una serie de coincidencias muy afortunadas en el lugar que nunca deja de darme cosas buenas: Twitter. Lo que leeremos a continuación es una transcripción de dos conversaciones que se desarrollaron en Inglés y Español, a través de salas de audio + una comunidad de Discord, ambas parte del lanzamiento de MOCHI, la primera colección de NFTs de STILLZ. Quiero dar agradecimientos especiales al artista Alejandro Cartagena, quien moderó excelentemente uno de los espacios y a mi amiga Sara Lucía por haber aparecido de la nada para grabar algunos audios.

Sin más preámbulo, es un honor poder decir:

PERMÍTANME PRESENTARLES A STILLZ

FELIPE: ¡Hey Stillz, mucho gusto! Es increíble poder compartir este espacio. ¿Cómo estás?

STILLZ: ¡Felipe, mucho gusto! Me alegra mucho tenerte aquí, has sido una parte muy grande de que todo esto exista. Felipe fue quien etiquetó a Jack Butcher en mi tweet sobre querer entrar al mundo de los NFTs, así que gracias por haberlo hecho 

*risas*

FELIPE: Wow. No puedo creer que esto esté pasando.

Recuerdo mucho ese tweet y siempre supe que Jack sería la persona indicada para ayudarte, pero me quedé con la duda de si ese había sido tu primer contacto con él, así que es una locura tener esta confirmación y que me lo agradezcas. ¡Es un honor! Me alegra que haya funcionado.

STILLZ: Sí. Te recuerdo por el profile picture.

FELIPE: ¿Cuál es tu relación con Medellín? Porque recuerdo también que la primera vez que me respondiste un tweet fue una especie de confirmación a las especulaciones de que eres de aquí. Aclaremos eso.

STILLZ: Bro, yo no nací en Medellín, crecí en Miami. Pero mi papá es de Medellín, mi mamá de Cartagena y toda la familia de Colombia.

FELIPE: ¿Cuándo fue la última vez que viniste?

STILLZ: No he ido ya en… cuatro años creo. He ido a Cartagena, pero a Medellín no. Quiero regresar este año 100%.

FELIPE: Sólo quiero que sepas que aquí estamos esperando el pop up shop. Es algo que TIENE que suceder. De verdad. (STILLZ tiene una línea de merch que ha vendido en distintas ciudades del mundo. Zapatos, medias y un beanie que ya es sinónimo de su marca, con el que algún día me verán.)

STILLZ: Sí, estoy en eso, estoy en eso. En verdad no sabía la comunidad tan grande que había en Colombia porque mucha de la gente que me sigue es de Puerto Rico, de México y algunas veces sale alguien de Colombia pero creo que los colombianos son más… silenciosos.

*risas*

FELIPE: Tal vez eso sea cierto y creo que se refleja en tus encuestas de Instagram cuando preguntabas dónde hacer la siguiente pop up, si aquí o allá y Medellín siempre perdía. Pero creo que aquí tienes una comunidad gigante y nos encantaría compartir ese espacio, contar con tu presencia y tu arte.

ALEJANDRO CARTAGENA: Hablemos de cómo empezó todo.

STILLZ: Siempre me ha gustado mucho la fotografía. Empecé a fotografiar a mis amigos skaters cuando tenía como 14 años. Hacíamos videos de skate y luego un amigo me llevó a un rooftop en Miami, así que también tuvimos toda una era haciendo eso.

Empecé a viajar muy joven e hice un par de art shows en lugares pequeños de Miami. Así fue como logré vender un par de trabajos y dije “wow, ¿puedes ganar dinero haciendo esto?” Porque siempre vi la fotografía como algo que quería hacer por diversión y un impulso artístico, no comercial. Salir a tomar fotos cada día fue lo que influenció todo esto.

Cuando tenía 17 o 18 años me cansé de hacer trabajos para otras personas, así que decidí que era momento de hacer algo al respecto y abandoné el colegio porque quería perseguir mi sueño de tener una carrera no en fotografía comercial ni para marcas, sino en fotografía artística (fine art) y me fui a vivir a Nueva York. No tenía demasiado dinero, sólo estaba tratando de encontrar mi camino y algo que se me convirtió en un hábito fue ir a visitar la tienda de TASCHEN en Soho todos los días. No me alcanzaba para comprar ninguno de los libros pero me gustaba ir a verlos y leer todos los que pudiera.

Un día encontré el libro de polaroids de Andy Warhol (Andy Warhol: Polaroids 1958-1987) y me enamoré por completo. Ese libro me cambió la vida. Obviamente todos aman sus pinturas y son su trabajo más famoso, pero no hay mucha gente que resalte lo increíble que son esas polaroids y lo puras y naturales que son. Es increíble cómo comienzas con una polaroid y puede evolucionar a todas estas otras cosas, como las que él hizo. 

Honestamente, eso me inspiró a querer averiguar cómo hacer polaroids y a crear mi propia colección para nuestra época, porque todo lo de Warhol sucedió en los 70s. Así que conseguí una cámara.

PAUSA.

A medida que STILLZ avanzaba con esta historia me impresioné demasiado y sentí como si alguien me estuviera narrando un Déjà vu. ¿Estaba hablando de su vida o de la mía? Quiero contar por qué:

Claramente no soy uno de los directores de videoclips más cotizados en este momento, ni tengo una colección de polaroids en homenaje a Andy Warhol, pero esa anécdota hizo dos cosas:

1. Resolvió mi duda acerca de si Andy Warhol era la inspiración detrás de su trabajo en Instagram, algo que me había estado preguntando hace mucho tiempo.

2. Me hizo conectar con él de una manera que parecía demasiado específica para ser posible.

Desde niño me he interesado mucho por las revistas y los libros de colección. Uno de mis recuerdos favoritos es que, siempre que iba a un centro comercial con mis papás, se me convirtió en un hábito sacar un rato para visitar la Librería Nacional y, más puntualmente, dos secciones: la de revistas y la de TASCHEN. 

TASCHEN es una editorial alemana y una de las más prestigiosas del mundo. Según su sitio web: “Desde hace más de 40 años, nuestra misión es publicar libros ilustrados innovadores sobre arte, arquitectura, diseño, moda, cine, estilo de vida, viajes, fotografía y cultura pop, y llevarlos al mundo. Aspiramos a ser inclusivos, independientes e inspiradores.”

Esta misión se materializa en tomos que recogen la obra completa de fotógrafos legendarios como Helmut Newton y directores como Stanley Kubrick, también los archivos de Disney y DC Comics o la obra pictórica de Salvador Dalí y Leonardo DaVinci. Son libros de gran formato, materiales ostentosos y toda una experiencia de colección en sí mismos. Esa era mi definición personal de un tesoro por el que mi yo de 16-17-18-19 años no podía pagar, así que pasar horas en la Librería Nacional absorbiendo los que me encontraba me parecía suficiente. También les tomaba fotos para tener referencias de cuales quería y el libro de Polaroids de Andy Warhol estaba en esa lista. Aunque no lo he comprado, desde que empecé a trabajar he coleccionado cuatro y fantaseo con participar en la realización de un libro de TASCHEN.

Un dato curioso es que hace poco fui a una Librería Nacional en Medellín y vi una placa en la pared que decía algo parecido a “Si no lo compras, no lo leas.” Me llamó la atención en ese momento y la recordé después de esta historia porque, ¿Qué sería de STILLZ si no se le hubiera permitido leer un libro que todavía no podía comprar?

Entiendo las posibles intenciones detrás de ese aviso, pero tiene un subtexto que te hace desistir de acercarte a algo que te inspira y creo que ahí hay algo incómodo.

Cierro este paréntesis para volver a la conversación.

ALEJANDRO CARTAGENA: ¿Qué fotógrafos te inspiran o que referencias hay detrás de lo que has aprendido sobre composición y encuadres?

STILLZ: Honestamente, si te refieres a referentes de “la vieja escuela” o algo así, no tengo uno específico. Me inspiraron mis amigos que también estaban creando cosas mientras crecíamos y las personas a mi alrededor, todos con este sueño de querer hacer un gran trabajo. También resalto todo lo que estaba pasando con la fotografía en redes sociales alrededor de 2015 y 2016, creo que eso me hizo interesarme por la historia, porque nunca estudié formalmente y así fue como terminé aprendiendo lo que sé a partir de algunos libros e investigaciones.

ALEJANDRO: Cuéntanos sobre tu transición de fotógrafo a director de videoclips. ¿Cómo pasas de las calles de NYC a todos estos proyectos conceptuales de alto perfil?

STILLZ: Yo hacía videos sin ningún presupuesto en Nueva York. Éramos un amigo que cantaba, mi amigo Pedro, que me ayudaba a editar y yo. De hecho en Youtube está el primer video que hice (Midnight - Back Off / 10 de Octubre de 2018) y hay muy poco tiempo de diferencia entre ese proyecto y los que todos conocen ahora, que muestran un cambio masivo. Creo que después de ese primer video sólo hubo uno más y luego me escogieron para irme de gira con Benito.

Benito, por supuesto, es Bad Bunny, quien al momento de redacción ha superado a The Weeknd como el artista más escuchado a nivel global en cualquier plataforma. La gira a la que se refiere STILLZ fue el tour de X100PRE, su álbum debut que lo empezó a perfilar como una figura destacable del género urbano. En otras palabras, no podría haber un momento más interesante para ser el fotógrafo personal de una estrella en ascenso, y de este cruce de eventos afortunados nacieron dos carreras artísticas que se complementaron increíblemente bien con una meta: hacer historia.

STILLZ: Después de 6 o 7 meses en la gira me empecé a sentir cómodo haciendo pitches para ideas de videos y cosas así. Creo que él no se sentía completamente satisfecho con los proyectos que había estado haciendo, recuerdo que un día estábamos viendo un video de un artista de rap americano y dijo algo como “¿Por qué no puedo tener un video como este?”

También recuerdo que cuando su nuevo álbum (YHLQMDLG, Yo hago lo que me da la gana) empezó a producirse, estábamos escuchando el primer single y se me vino una idea a la mente, así que la escribí. Antes de esto yo había hecho un video para Mora, que hace parte de la misma discográfica. Ese proyecto nunca se lanzó porque a él dejó de gustarle la canción, pero fue la primera vez que trabajé con un presupuesto decente (alrededor de USD$14.000) y decidí que lo quería grabar en film, lo cual terminó siendo un gran sobrecosto en el que tuve que sacar cerca de cuatro mil dólares más de mi propio bolsillo.

Pero nada acerca de esto fue una pérdida de dinero; al contrario, fue una gran inversión porque haber sacado adelante ese video de la manera en que queríamos lograrlo, con film y un look muy específico y después poder mostrárselo a alguien como respaldo de mi visión, fue lo que llevó a Benito a bromear diciendo cosas como “Wow, ¿por qué tú no haces mis videos?” Fue en ese momento que algo me hizo click y pensé: “oh shit, debería proponer algo para la próxima canción.” Y esa canción terminó siendo VETE.

STILLZ: Tenía listo un pitch del que empecé a hablarles pero en ese momento aún no me tomaban demasiado en serio porque no había hecho nada grande a la fecha, así que eran preocupaciones normales desde management y esas cosas. Al mismo tiempo, creo que Benito estaba recibiendo propuestas y tratamientos visuales de otros directores y quedaban 48 horas para tomar una decisión antes de viajar a Los Angeles para el rodaje. Estábamos en Atlanta hacia finales de la gira y en un punto después de su show tuvimos una conversación en la que él me dijo: “Tenemos 4 días para hacer este video. Resuélvelo.”

Esa misma noche me puse en contacto con dos amigos directores que había conocido a través de Instagram. (Asumo que está hablando de RJ Sanchez y Pasqual Gutierrez de CLIQUA.) Necesitaba de su ayuda porque nunca había hecho algo a esta escala, así que ellos me conectaron con una productora y me subí a un avión hacia Los Angeles. Fue así como logramos hacer VETE y de ahí todo evolucionó a lo que es ahora.

Increíble.

Sin embargo, aún con todos estos detalles, seguía habiendo una brecha en la historia. Estaba la vida en Nueva York, el libro de Andy Warhol y el deseo de crear un álbum con polaroids de todas las figuras clave de nuestra generación. ¿Cómo empiezas a construir esa serie y posteriormente a convertirte en el fotógrafo de gira de Bad Bunny?

Todo es gracias a Rolling Loud, el festival de Hip Hop más grande del mundo que sucede cada año en Estados Unidos.

STILLZ: Un día durante esa época, decidí enviarle un DM por Instagram a Matt Zingler, co-fundador de Rolling Loud y ahora amigo, con la intención de enseñarle mi trabajo. Me contestó diciendo que iba a estar en Nueva York el día siguiente y que estaba interesado en verse conmigo, así que nos reunimos y le mostré todo mi proyecto con las polaroids. Le encantó y me propuso que lo hiciéramos para el festival. Ni siquiera tenía el dinero para comprar el film que necesitaría, sólo contaba con unos cuantos paquetes y él me dijo que estaba dispuesto a llevarme a Rolling Loud con todo lo que necesitara. 

“No tengo ninguna pretensión personal, sólo quiero que hagas lo tuyo.”

Así fue. Y de esa invitación salió un libro exclusivo entre STILLZ y Rolling Loud que reúne sus fotografías de cualquier persona que sea alguien en la escena musical actual, latina o internacional: Playboi Carti, Travis Scott, Snoop Dogg, Lil Wayne, XXXTENTACION, J Balvin, A$AP Rocky, Miley Cyrus, Post Malone, J Cole, Jaden Smith, Alicia Keys, Nipsey Hussle, Rosalía, Jhay Cortez, Daddy Yankee, Arcangel, Ricky Martin, Juanes, Jennifer Lopez, Tainy y Kali Uchis son sólo algunos de los íconos que han posado para STILLZ y que se mezclan en su Instagram con innumerables retratos de Bad Bunny en momentos decisivos de su carrera durante los últimos 3 años.

STILLZ: Mientras tomaba fotos en los festivales simplemente estaba concentrado en crear y coleccionar mi trabajo. Fue después de aproximadamente un año y medio que me hice una cuenta de Instagram y las personas empezaron a notar lo que hacía y a apreciarlo; eso me recordó a cuando hacía rooftops y que a la gente le parecía interesante.

Un momento clave que termina de conectar los puntos en esta historia vino después de haber convertido algunas de estas polaroids en cartas intercambiables (como un mazo de Pokémon o Yu-Gi-Oh!) y ponerlas a la venta. Gracias a ese proyecto recibió una llamada de un amigo que conocía del mundo de la fotografía y de Instagram. Ese amigo era nada más y nada menos que Orli Arias, fotógrafo personal de J Balvin.

STILLZ:

Me dijo: “Hey, Bad Bunny necesita un fotógrafo para su gira.”

Y le contesté: “¿Quién es Bad Bunny?”

*risas* 

De verdad no tenía idea de quién era. Pero le dije que sí.

STILLZ: Después de unos 15 días de no recibir novedades me llamaron para preguntar si podía tomar un avión hacia Las Vegas el siguiente día para que nos conociéramos y viera mi trabajo. Así que fui y ese show me voló la cabeza porque a ese punto yo estaba acostumbrado a presentaciones de rap en donde la multitud más grande pueden ser cinco mil personas. Pero esto era una arena con cerca de 18.000 personas gritando y la energía era una locura. Fue el show más grande para el que había trabajado hasta ese momento.

Mi trabajo era tomar fotos, editarlas en tiempo real, enviarlas por AirDrop al teléfono de Benito y eso les gustó. Al día siguiente estaba en un vuelo de regreso a Nueva York y me enviaron un mensaje preguntando si quería unirme a la gira, que empezaba la siguiente semana. 

“Hagámoslo.”

 Y así empezó todo. Supongo que hice bien mi trabajo.

STILLZ: Ni siquiera tenía idea alguna de qué podría llegar a hacer esa oportunidad por mi, sólo quería seguir haciendo parte de la escena y asistir a festivales de rap para sacar polaroids, pero al final fue una de las mejores decisiones que he tomado. Algo muy importante en mi vida ha sido no quedarme haciendo lo mismo por más de un año, siempre trato de evolucionar a algo mejor o nuevo y es muy loco como encuentro cosas diferentes cada vez. Después de ese año de gira con Benito llegaron los videos musicales y ahora empieza este año and it’s fucking NFTs! Es muy loco, siempre llega algo loco y cambia mi camino por completo.

Algo muy importante que creo que está logrando el espacio de los NFTs es hacerte interesar por la historia. Cuando llegué a esto sentí como si la fotografía se estuviese reinventando, me refiero a que hay personas que no tienen oportunidades de ser vistas o vender algo en el mercado tradicional y ahora el terreno de juego está siendo nivelado para todos. Es como una especie de renacimiento para el medio, un nuevo movimiento. El sólo estar en estas plataformas me ha hecho encontrarme con muchos fotógrafos y artistas increíbles que no tenía idea de que existían. 

ALEJANDRO: ¿Cómo te adentraste en el mundo de los NFTs?

STILLZ: En algún punto del año pasado, muchas personas a mi alrededor empezaron a apuntarme en esta dirección y me decían ¡Tienes que hacer NFTs! Y empecé a preguntarme ¿Qué pasa, por qué todos me dicen esto? Estaba muy confundido cuando empecé a investigar y veía las fotos de perfil de la gente. Me tomó un tiempo entender y familiarizarme con este espacio, en parte creo que fue porque he valorado mucho la parte física de mi trabajo. Cuando un objeto es único en el mundo real, eso tiene algo de especial.

Las polaroids son muy diferentes de los negativos y otros medios porque tienes que pasar por fases de escanearlas, imprimir, digitalizar para luego compartirlo en cualquier plataforma. 

Aquí es donde se hace necesario que hagamos una segunda pausa para poner en contexto todo esto de los NFTs, hablar de cómo se hizo posible este encuentro y de por qué STILLZ me reconoció al principio de esta conversación.

Hace un tiempo empecé a seguir a STILLZ en Twitter. Un día de Octubre del año pasado terminé viendo un tweet suyo que decía:

“¿Quién puede ayudarme a entrar en el lado de Twitter de los NFTs?”

Cualquier persona que use la red social sabe que esta se termina convirtiendo en lo que cada persona haga de ella, osea un nicho para cultivar tus intereses personales. De esta manera, NFT Twitter no es más que el grupo de personas que están interesadas en ese espacio en particular y tuitean al respecto.

Ahora, yo, hasta el día de hoy, no soy quien más entiende del tema ni mucho menos alguien que tiene todas las respuestas sobre qué exactamente está pasando con los NFTs. Pero sí me he preocupado por entender porque lo considero importante y de todos modos ignorarlo no va a hacer que deje de suceder.

Mi camino lento por tratar de comprender este espacio me ha llevado a entender lo siguiente:

• NFT quiere decir non-fungible token, o token no fungible. Es correcto, eso no aclara nada. Así que lo desglosaremos más: Un token es una representación de cualquier cosa. Y cualquier cosa puede ser fungible (reemplazale) o no fungible (irremplazable). Por ejemplo: una moneda de 500 pesos o un palillo de dientes son fungibles porque los puedes intercambiar por otra moneda o palillo exactamente iguales. ¿Sabes qué es irremplazable? Esa carta de Yu-Go-Oh! de colección que compraste a la salida del colegio y que ya no aparece por ningún lado. El techo de la Capilla Sixtina también es no fungible porque, ¿Quién entre nosotros está en capacidad de lesionarse la espalda como Miguel Angel para pintar algo exactamente así? Nadie. Continuemos.

Los NFTs siempre han existido, es sólo que el término se ha asociado más recientemente con toda la revolución digital de la Web3 y los bienes digitales que como sociedad hemos creado y acumulado en internet. Los objetos que retienen valor ya no existen sólo en el plano físico: ahora existen artistas digitales, personas que se dedican a crear memes y diferentes contenidos que de, una u otra forma, compartimos y deseamos poseer. Y sí, siempre está el discurso de “Es solo un .JPG, cualquiera puede descargarlo.”, pero otro ejemplo concreto que me ha ayudado a entender mejor es este:

¿Cuántas reproducciones hemos visto entre todos de la Última Cena de DaVinci? En la casa de mi abuelo hay una. Pero la única real, la única que cuenta por autoría, conservación, historia y mérito es la que se pintó originalmente en un convento de Milán. Eso mismo está pasando con los NFTs; todos podríamos descargar una polaroid de STILLZ a nuestro celular, pero la única original es la que él personalmente te haya vendido a través de Foundation con una dirección personalizada en el blockchain. Y más allá del debate de si algo es original o una reproducción, el punto es que este intercambio le permite a un artista contemporáneo como STILLZ eliminar todas las barreras de acceso del mercado tradicional para efectuar una venta de su obra sin intermediarios. Hay todo un capítulo de la historia del arte sobre cómo habían salones en donde se exponían sólo las obras que un grupo determinado de personas de la alta sociedad consideraba dignas de ser admiradas, según sus sesgos personales y los valores de la época. Ahora tratemos de imaginar cuántos artistas increíbles nos perdimos sólo porque en el siglo XVI alguien pensó que las mujeres no debían pintar o que un tema u otro se consideraba obsceno y tenía que ocultarse. 

Este es el reto y la promesa de la Web3: un terreno de juego democratizado en donde las personas puedan intercambiar valor libremente. Es una transición que sin duda nos va a tomar demasiado tiempo pero que va a toda marcha y, a mi personalmente, ya no me suena tan loca la idea de pagar por un bien digital que tal vez en 10 o 15 años se esté exhibiendo en una casa al interior del metaverso. Incluso en un escenario promedio en el que pagué por una ilustración digital de alguien de India, solo para que terminara en mi fondo de pantalla, la victoria está en decir que pude pagarle a alguien por su arte y no en que le tomé una captura de pantalla a su trabajo sin permiso. Es un tema de poder adquisitivo, crédito, estatus y consentimiento.

Todo esto he logrado entenderlo siguiendo a una de mis personas favoritas en Internet: Jack Butcher. Quizás el trabajo más famoso de Jack sea Visualize Value (https://www.instagram.com/visualizevalue/?hl=es), un imperio de ilustraciones minimalistas que he compartido anteriormente en mi Instagram y que me parecen brillantes porque siempre logran su objetivo: ayudarte a entender ideas y conceptos complejos con visuales extremadamente sencillos. Jack utiliza su Twitter para hablar de todos estos temas y es un líder de opinión en lo que concierne a la Web3. También es un tipo muy amable, así que cuando STILLZ pidió ayuda para entrar a NFT Twitter sólo vi dos puntos que había que conectar.

Le respondí su tweet etiquetando a Jack y los “presenté” diciéndole que era el indicado para eso. Jack respondió momentos después diciendo que estaba dispuesto a conversar en los DMs. Todo quedó ahí y lo olvidé por un tiempo.

En enero de este año, STILLZ apareció nuevamente en Twitter con un anuncio muy especial: había estado trabajando en su primera colección de NFTs y la subastaría muy pronto. Con el nombre de MOCHI, esta colección comprendía 50 polaroids de su archivo intervenidas digitalmente. Según la descripción: “Estas obras de arte exploran la conversación entre la autenticidad, las alteraciones inalcanzables de la belleza física y el merchandising coleccionable. Las polaroids utilizadas han sido expuestas entre los años 2017-2021.”

Para ser un ‘novato’ en este espacio, todo parecía estar fríamente calculado. Empecé a preguntarme si había servido de algo la interacción con Jack.

Un proyecto como este requiere de una comunidad que sea receptiva a la propuesta y STILLZ tenía todo un plan: de repente, el artista del que poco conocíamos tenía un Discord y sería anfitrión de dos salas de audio, Espacios, en Twitter. Para mi todo esto era imperdible y, queriendo conocer más, me uní a ambos Espacios para escuchar lo que tenía por decir al respecto. Fue así como me llevé la sorpresa de mi vida con el intercambio que conté al principio de nuestra conversación: efectivamente etiquetar a Jack había servido de algo y los dos no habían parado de hablar desde ese día. No me sentía así desde que Kim me había dejado participar de su famosa aplicación Kim Kardashian: Hollywood.

MOCHI fue todo un éxito en Foundation. En cuestión de días se posicionó como la colección número uno en el sitio y a la fecha las 50 polaroids han sido subastadas a 30 personas, incluyendo a Mora, por un total de 72.03 ETH (ethereum, criptomoneda), o un equivalente de USD $218,224.

Si después de esto aún queda alguna duda de hacia dónde se dirigen la posesión de bienes digitales y las nuevas formas de exhibir estatus socialmente, justo una semana después de la subasta de MOCHI, Twitter emitió un comunicado inesperado y bastante pertinente: ahora se le permitiría a los usuarios de la red exhibir sus NFTs a través de una foto de perfil diferenciada del círculo estándar. Esta nueva opción tiene una forma hexagonal y hace que cualquier persona con una billetera digital vinculada pueda distinguirse de los demás usuarios haciendo uso de su posesión virtual. Mora usa su MOCHI como foto de perfil y al hacer click sobre el hexágono aparece un título de propietario seguido de una reseña sobre el artista y la colección. META (Instagram, Facebook y compañía) tiene planes de hacer algo similar pronto.

Cierro paréntesis.

ALEJANDRO CARTAGENA: El estilo de esta colección ha sido bastante coherente, me hizo pensar “¡Este chico sabe lo que hace!”

STILLZ: Lo que tomo de Andy Warhol es que el arte se trata de tomar decisiones. Cuando tomas algo y decides hacerlo real, o cuando estás editando y eso es en sí mismo el arte. La manera en la que todo esto sucedió fue gracias a unas bromas entre amigos. Es muy loco cómo se manipulan las fotos y todo el trabajo que puede llevar una foto antes de publicarse. Así que esto es una especie de comentario para mostrar que, entre más haces estas modificaciones, más te cambian y te alejan de lo que eres. Es una broma sobre la forma en la que nos presentamos y lo que pasa cuando nos excedemos con los filtros. ¿Qué tan lejos estamos llegando para mostrarnos en redes sociales? Es un fenómeno más del mundo digital que del real.

FELIPE: ¿Puedo hacer otras preguntas más?

ALEJANDRO: Claro Felipe, adelante.

STILLZ: Qué bueno que sigas aquí.

*risas*

FELIPE: Quiero devolverme a la historia que estabas contando hace un rato. Creo que Alejandro ha hecho un gran trabajo con sus preguntas porque es exactamente todo lo que yo tenía en mente y me resolvió muchas dudas, especialmente sobre los detalles de tu historia y cómo empezaste. Pero hay algo en lo que me gustaría profundizar. Recuerdo mucho la primera vez que vi tu trabajo con VETE y el interés que me generó. ¿Cuál es el secreto detrás de tu colaboración creativa con Benito? ¿Qué hace funcionar la sinergia entre tú y él? Me encantaría saber qué puedes decir al respecto.

STILLZ: Creo que algo muy importante es simplemente la confianza. Ser capaz de sentirse cómodo con la otra persona y confiar en que no te están juzgando. Con Benito, ya habíamos estado de gira y prácticamente viviendo el uno con el otro todos los días durante 8 meses. Él es como mi hermano mayor, se burlaba de mí todos los días, hablábamos de ideas todos los días, estábamos en un avión, en un hotel, en un espectáculo todos los días. Éramos como una familia de 8 los que viajábamos en privado con él. Y cuando todo evolucionó a esta nueva cosa de empezar a colaborar creativamente en los videos juntos, fue increíble poder tener esa confianza porque, creo que una diferencia con otros de sus videos es que supongo que no tenía a alguien que entendiera su mente creativamente. Y yo siempre estaba entre bastidores observando, incluso antes cuando trabajaba con otras personas en sus proyectos y veía cómo a veces le costaba explicar creativamente lo que quería representar o lograr.

Y sabes algo, muchos de estos proyectos, sí, yo los dirijo, pero es él quien está detrás del papel y el lápiz, escribiendo, diciéndome que quiere algo fotografiado de cierta manera… de verdad trabajamos juntos muy de la mano en todos nuestros proyectos. No soy sólo yo. Así que para resumir, se trata de la confianza y cómo hace que todo fluya de una manera en que no sería posible si estás en un proyecto donde no conoces a las personas con las que estás trabajando.

FELIPE: Qué bonito eso. Creo que todas las grandes colaboraciones creativas se resumen en confianza. Esto me hace preguntarme, y es simplemente mi impresión así que no sé si estás de acuerdo, pero creo que mucho de lo que ustedes han logrado es revolucionario en el género y los videos latinos porque toman una idea de un contexto y la ponen en otro, como un remix de ideas. Recuerdo un video ensayo que vi hace mucho tiempo acerca de cómo al final del día todo es un remix de algo más ¿Es intencional o algo de lo que ustedes hablan?

STILLZ: Definitivamente, siempre hay una referencia de algo en mi mente. Con Benito, usualmente él me da una idea de qué quiere y entonces yo saco referentes de algo para empezar a hablar de cómo podríamos materializarlo de una manera diferente y nueva. Creo que todo puede ser un punto de referencia para algo más. Han pasado tantos años en la historia del arte que podríamos decir que todo se ha hecho, se trata de encontrar una manera de darle un giro y hacerlo tuyo.

FELIPE: De acuerdo. Así que ustedes dos están tirándose ideas todo el tiempo y evaluándolas.

STILLZ:  Exacto. Y es muy loco porque, cada que sale un proyecto, alguien sale y dice algo como “Oh esto se parece a esto otro y aquello.” y yo pienso "Wow, ¡nunca había visto eso, pero sí se parece!”

FELIPE: Es una locura absoluta. Y exceden mis expectativas una y otra vez. ¿Qué te gustaría decirle a los realizadores audiovisuales o artistas de Medellín que se frustran con las condiciones del entorno o que se abstienen de crear algo por “no tener los equipos adecuados”?

STILLZ: Bro, creo que es difícil. Pero si de verdad amas algo en el mundo del arte, el success no debería ser tu main goal. Deberías hacer esto por la pasión que sientes y por lo que te mueve. Cuando yo empecé este proyecto nunca pensé en la fama ni en estar con artistas. Lo hice porque me fascinaba el arte y quería intentar algo que fuera para mi y no para una compañía de ropa o lo que sea. Así que en verdad es hacer algo desde el amor y muy seguramente si le metes tiempo, esfuerzo y aprendes trabajando todos los días en algo que te apasiona, en algún momento llegará algo de luz y terminarás conociendo a una persona que te de una mano.

FELIPE: Me gusta mucho eso. Bueno, ahora para despedirme, tengo una pregunta un poco más personal. Creo que toda esta conversación tiene el potencial para ser tu entrevista más completa y exhaustiva. He estado escribiendo un blog en donde hablo de estas cosas, realmente es un lugar de creativos para creativos. Y pienso que puede haber mucho valor en compartir toda esta información para que alguien se inspire o lo que sea. ¿Te sentirías cómodo si hago un artículo con todo esto en mi blog? Porque si dices que no, lo entiendo completamente.

STILLZ: ¡Of course man, yeah! Go for it.

FELIPE: Amazing! Qué honor. Thank you so much!!!

*risas*

STILLZ: No hago esto muy seguido, así que sería genial poder leerlo en alguna parte y ver si suena bien.

FELIPE: Te lo agradezco mucho.

STILLZ: Gracias Felipe.

Y, por supuesto, gracias a ustedes por leer hasta aquí. Nos leemos pronto con otro invitado-crack-creativo en exclusiva para YO HABLO LO QUE ME DA LA GANA. Mientras tanto díganme qué les pareció esto en un comentario, por Instagram o por Whatsapp :)

Es una leyenda popular que, cuando los hermanos Lumière presentaron ‘La llegada de un tren a la estación de La Ciotat’ en un café de París en 1896, los asistentes a la proyección se sorprendieron tanto de ver un tren que se les acercaba a través de la pantalla que se pusieron de pie y salieron del lugar con miedo.

Aunque no se sabe exactamente qué pasó ese día, sólo es necesario tener capacidad de asombro para tratar de imaginar la reacción de alguien que está viviendo una experiencia como esa por primera vez, ante una de las primeras pantallas de la historia. El ejercicio tan simple como distante: imaginar esa novedad se hace cada vez más difícil si tenemos en cuenta que toda una generación que no conoció un mundo sin pantallas ya sacó la cédula.

Pero más que las pantallas, son las cosas que vemos en ellas las que han cambiado drásticamente en estos 125 años desde que se proyectaron las primeras imágenes grabadas y como consecuencia se ha transformado nuestra capacidad de asombro para siempre: no hay ningún reporte de que alguien haya salido corriendo de la sala de cine cuando el mundo se empezó a derrumbar alrededor de Leonardo Dicaprio en alguno  de sus sueños en ‘El Origen’ (Inception) y, si se me permite generalizar mi experiencia, creo que a ninguno de nosotros se nos desdibujó lo que era real y lo que no cuando el cielo se cayó a pedazos en ‘Chicken Little.’

En cambio, sí he escuchado recientemente varias historias de personas que gritan, aplauden y hasta lloran en tu sala de cine más cercana con la nueva película de Spiderman: Lejos de Casa (Completamente entendible).

Y es a la luz de este y otros sucesos que veremos a continuación que me parece necesario hacer una pausa, romper la cuarta pared, mirar a la cámara y preguntar:

¿Qué sorprende a una audiencia? 

En un momento en el que estamos más cerca del ‘metaverso’ que de la primera proyección de cine, en una época en que los efectos especiales como el 3D o el ‘CGI’ y los despliegues técnicos de todo tipo no sorprenden igual que antes porque pareciera que ya lo hemos visto todo (y damos por sentado que ninguna explosión, recreación histórica o universo paralelo es inviable con el presupuesto correcto) y, más interesante aún, en el tercer año de una pandemia que parece no tener fin y que nos ha desensibilizado ante los peores escenarios posibles, me pregunto: 

¿Qué nos hace reaccionar?

(Spoiler: no hay una sola respuesta)

Antes de contestar, me parece que esa distinción entre sorpresa y reacción también es necesaria. Creo que en nuestra época, si algo no te hace reaccionar (o querer consumir las reacciones de otros) es porque no te sorprende. Ya sea a través de tweets, historias de Instagram, reseñas de blogs (como esta), videos de Youtube o TikTok, pienso que compartir, validar y contrastar lo que acabamos de ver con los demás es el nuevo salir corriendo de la sala de cine. Cuando algo nos sorprende nos hace buscar un lugar donde podamos reírnos con los memes, creer en las teorías conspiratorias de los comentarios y verificar si se nos escapó algún detalle para tener aún más cosas de qué hablar y hacer parte de la conversación.

Para responder a la pregunta, en los últimos dos años me he dado cuenta de que a mi me sorprende Bad Bunny. Esta es mi reacción a su último trabajo. 

LOS SIMPSON Y BAD BUNNY TE DESEAN UNA FELIZ NAVIDAD

El 23 de diciembre, a través de sus historias de Instagram, el conejo malo escribió un mensaje anunciando que tendría una sorpresa para la víspera de navidad, algo que ya ha marcado como una tradición en su carrera desde que lanzó X100PRE el mismo día en 2018. Fue suficiente para crear suspenso en redes sociales y empezó el juego por tratar de adivinar: ¿Será que anuncia el resto de la gira? Tal vez sea música nueva. Ambas demasiado predecibles.

Llegó el 24 de diciembre y con él apareció repentinamente en Youtube un video titulado “THE SIMPSONS, BAD BUNNY - TE DESEO LO MEJOR”

Se trataba del visual oficial para la canción del mismo nombre, el sexto video acompañante para su tercer álbum de estudio ‘EL ÚLTIMO TOUR DEL MUNDO’ después de “BOOKER T”, “DÁKITI”, “HOY COBRÉ”, “YO VISTO ASÍ” y “LA NOCHE DE ANOCHE”, cada uno con méritos creativos muy diferentes entre sí que demuestran una sensibilidad audiovisual y narrativa tan variada como los géneros del álbum, que van desde el reggaetón y el trap latino hasta los boleros, el rock en español e incluso el post-punk.

Y sí: tal y como el nombre lo indica, el video es protagonizado por nada más y nada menos que Los Simpson. En casi tres minutos, la trama le entrega a Bad Bunny la gran responsabilidad de reconciliar a Marge y Homero después de que este último permitiera que un objeto particular causara distancia entre ellos. Este proyecto representa la primera vez que STILLZ no ha dirigido un video de Bad Bunny desde que comenzaron su exitosa colaboración creativa en 2019 con VETE. Es 100% animado y también la primera vez que el equipo de Los Simpson crea un corto exclusivamente en español sin doblaje ni subtítulos, con la participación directa de Humberto Vélez y Claudia Motta, voces originales de Homero y Marge en español latino, idioma en el que hablan y gesticulan todos los personajes. En menos de una hora, “TE DESEO LO MEJOR” ya era tendencia global y había acumulado más visualizaciones en Youtube que el más reciente capítulo de la serie en streaming.

Un video musical que reúna al artista más escuchado a nivel global con la familia más famosa en la historia de la televisión está destinado a ser una de las colaboraciones más grandes del año. Y si sale bien, puede ser otro paso hacia adelante para el género urbano latino de la mano del mismo personaje que está trabajando por desafiar las convenciones que lo han definido durante años para hacerlo más progresivo. Este video logra ser ambas cosas al mismo tiempo y además se siente como un verdadero regalo de navidad para fans de la música y la cultura pop. ¿Qué hay detrás de todo esto?

EL ARTE DE UNA BUENA COLABORACIÓN

Aunque tal vez no estaría mal afirmar que en Colombia el terreno de las colaboraciones —o collabs, como se ha hecho más popular llamarlas en redes— sigue siendo bastante inexplorado y aún estamos empezando a familiarizarnos con él, que dos marcas se unan para crear algo más grande que sus partes no es nada nuevo. En el escenario global, las colaboraciones son todo un fenómeno que nos ha traído algunos de los momentos culturales y productos más icónicos de la historia; un repaso muy rápido y superficial, sin ningún orden particular, me hace pensar en estas:

• Nike x Michael Jordan

• Queen x David Bowie

• Elsa Schiaparelli x Salvador Dalí

• Louis Vuitton x Takashi Murakami

• Adidas x Kanye West

• Los Supersónicos x Los Picapiedra

• Supreme x Absolutamente todo lo que hacen.

• Y no podemos hablar de historia de la televisión sin mencionar el especial de “Hechiceros A Bordo con Hannah Montana.”

En el caso de Los Simpson, la serie no es ajena a este tipo de alianzas estratégicas: a lo largo de los años han colaborado con todo tipo de categorías comerciales desde Vans hasta ASOS, IKEA, McDonalds, MAC Cosmetics e incluso Adidas. Pero tal vez su colaboración más consistente y orgánica ha sido una que se queda en Springfield: los cameos o apariciones especiales. En 2010 el programa recibió el Récord Guinness a la mayor cantidad de cameos para una serie de televisión, con un total de 921 apariciones especiales que incluyen a estrellas del deporte, la actuación, la política y la música de diferentes generaciones y países; siendo el común denominador que todas estas personas se han interpretado a sí mismas en situaciones de parodia o auto-referencia que se ponen al servicio de la trama de la serie, y esto último es clave para hacer otra pregunta:

¿Cuándo se convierte un cameo en una colaboración?

El poder de una buena colaboración está en que es una herramienta para sacar algo de su contexto usual y situarlo en uno más poderoso para crear nuevo valor y significado. Como dice Ana Andjelic, autora de ‘The Sociology of Business’:

“Las colaboraciones funcionan para las marcas porque transforman la no-cultura en cultura. Es un gran modelo de negocio: no necesitan capital financiero, sólo un fuerte capital de marca. Supreme puede poner su logotipo en un ladrillo y colaborar con Colgate siempre que su capital de marca sea atractivo. Las colaboraciones funcionan bien en los mercados maduros, en los que los consumidores están aburridos y los productos parecen intercambiables. Hay un número limitado de prendas de Uniqlo que una persona estaría interesada en poseer, pero no si esas prendas fueron diseñadas por Jun Takashi, Jil Sander o Pharrell.”

Así mismo, el interés de alguien por una temporada promedio de Los Simpson podría desvanecer con el tiempo, pero una colección de ropa inspirada en la serie o unos tenis Vans estampados con los personajes pueden proteger y actualizar el capital de marca, renovando ese interés para nuevas audiencias más allá del público objetivo tradicional. Es por esto que el hecho de que su estrategia le apunte a incrustarse en otros rincones de la cultura lejos de la televisión no debería ser una sorpresa para nadie; es el siguiente paso lógico para una marca que conoce sus límites y también sus oportunidades para mantenerse vigente más allá del streaming y la estructura fija de los capítulos.

Pero para que algo se sienta novedoso debe estar cargado de sorpresa, además de cierta coherencia. Y en el terreno de las ideas, que a veces es incierto y plagado de coincidencias, la sorpresa le pertenece a la primera persona en comunicar algo exitosamente en el momento justo. 

O, en el caso de Bad Bunny, no necesariamente. 

ENTRAN UN ARTISTA DE GEORGIA Y OTRO DE PUERTO RICO A LA CANTINA DE MOE…

El pasado 2 de Octubre, Demna Gvasalia, director creativo de Balenciaga, presentó su colección más reciente para la marca en el Theatre du Chatelet de París durante la semana de la moda. Fue todo un evento-performance que tomó por sorpresa a los asistentes, le mereció aplausos de pie al final de la presentación y lo coronó como el diseñador del año por todos los medios especializados. Aquí nos vamos a centrar en la parte más viral de lo que pasó ese día: hubo una colaboración con Los Simpson que resultó en un capítulo especial de diez minutos.

La trama va algo así: Homero olvida el cumpleaños de Marge y para tratar de remediarlo, le escribe una carta al equipo de Balenciaga explicando que el sueño de su esposa es ponerse algo de la marca. Consigue que le envíen un vestido a Springfield que Marge debe regresar al final del día y cuando llega el momento de hacerlo, ella escribe su propia carta agradeciéndoles por hacer realidad su sueño. Ese gesto conmueve tanto a Demna que decide viajar a Springfield para invitar a toda la ciudad a modelar la nueva colección de Balenciaga en París.

Es un corto bastante bien logrado donde ningún segundo se desperdicia para hacer alguna referencia o presentar un gag característico de Los Simpson y al mismo tiempo mantiene la integridad estética de la marca y algunos de sus diseños más reconocibles, eso sí, con licencia para burlarse de todo. Y no sería un verdadero capítulo de la serie sin algún cameo, así que este tiene más de 5 que no decepcionan.

En una entrevista con Jessica Testa para The New York Times, Demna Gvasalia explicó que la colaboración había tomado un año en materializarse después de que le envió un correo con una propuesta a Matt Groening, creador de Los Simpson, en abril de 2020. Ante la pregunta de por qué Los Simpson, contestó:

“Crecí viendo la serie en la Unión Soviética y quería crear una historia visual icónica. Es muy personal para mí.”

En esa respuesta se encuentran otros elementos cruciales para cualquier colaboración exitosa: coherencia, honestidad, resonancia emocional. Sólo un verdadero fan de Los Simpson se habría ocupado de una atención al detalle como la que tiene el corto de Balenciaga. 

Si hablamos del impacto, a pesar de la trascendencia que tuvo este proyecto entre la crítica de moda y entretenimiento, su eco no fue precisamente a nivel global, ni tampoco era esa la meta: esta colaboración fue un vehículo para generar conversación más allá del segmento del mercado que ocupa Balenciaga y despertar un nuevo punto de contacto con los fans que comparte la marca con Los Simpson, creando así un ‘objeto’ singular y coleccionable para un público altamente específico. (Todo un NFT en potencia.)

Y es precisamente esa característica de las colaboraciones la que permitió que el episodio de Balenciaga no interfiriera en absoluto con la creación de “TE DESEO LO MEJOR” y su lanzamiento dos meses después. Las diferencias entre ambos proyectos empiezan con el idioma y pasan por el poder adquisitivo, las ubicaciones geográficas, la edad y terminan con una clave: la música. Necesitaríamos una gráfica muy compleja para hablar de las interacciones y las divergencias entre una persona que ve Los Simpson en Puerto Rico, otra que puede comprar un abrigo de £20.000 en Francia y alguien que escucha trap latino y vive en Colombia. 

Es así como la pregunta de quién llegó primero se hace completamente irrelevante. No hay un solo ganador aquí: la victoria es para ambos creativos y el elemento de sorpresa se sostiene para la audiencia de Los Simpson, la de Balenciaga y la de Bad Bunny.

(Por lo menos yo, que hago parte de todas las muestras poblacionales de este estudio, me sorprendí tanto la segunda vez como la primera.)

¿Y ahora?

Que Bad Bunny haya colaborado con Los Simpson no es una coincidencia, ni tampoco un hecho aislado en su carrera. Al contrario, puede ser la mejor metáfora para el éxito masivo que ha cultivado en los últimos 3 años. Esa inclinación y habilidad para recontextualizar diferentes ideas es una tendencia detrás del giro tan interesante que ha tomado su proyección: No habíamos llegado al cuarto mes del 2020 y ya se había llevado indiscutiblemente el premio al video del año con Yo Perreo Sola, unos meses después estaba presentando su nueva música en pleno Wrestlemania y a la fecha seguimos montados en la ola de Yonaguni, con sus influencias japonesas y referencias directas a Naruto y Pokémon. 

Ni el drag, ni la lucha libre o el manga y los anime son propuestas revolucionarias en la música en este momento. Decir lo contrario sería negar la existencia del video “I want to break free” de Queen, que causó tanta controversia en el rock en los 80s, por citar un ejemplo. Lo que es revolucionario es traer el drag a un género tan debatido como el reggaetón para protestar el machismo a escala comercial. Suena simple, pero es toda una innovación en el contexto latinoamericano y cobra aún más sentido cuando se conecta con una búsqueda artística que obedece a una narrativa personal más amplia: Bad Bunny solía crear pistas con mixes de Lady Gaga para su primo que hacía drag en Puerto Rico, creció viendo Wrestlemania y es fanático de Pokémon y otros anime. Cada canción sirve como una expansión de ese mundo interno y ahí es donde está su alcance global: en tratar de hablarle a otras personas a través de experiencias compartidas que se alinean con los valores y las búsquedas de esta generación y no en pegar un beat más a toda costa.

Últimamente, siempre que veo un nuevo video musical termino preguntándome qué ciclo de vida va a tener. Las audiencias están tan diversificadas que es difícil pensar que un videoclip de esta era vuelva a tener el impacto y la resonancia cultural que tuvo algo como Thriller de Michael Jackson. De lo que no tengo dudas es de que en algunos años seguiremos hablando de videos como Yo Perreo Sola, Yonaguni y, por supuesto, Te Deseo Lo Mejor. Bad Bunny entiende su época mejor que cualquiera de sus contemporáneos y, a través de su búsqueda artística, está escribiendo el capítulo que le hacía falta a la historia de la música latina con términos y condiciones de talla global.

En una de sus más recientes entrevistas, le dijo a Rubén Angel de Highsnobiety que el efecto que más le emociona es sorprender a la audiencia:

“Cuando tú no esperas algo y lo recibes es como que wow te marca. A mi me llena sorprender a la gente, porque sé que estoy marcando y creando una sensación única en el interior de ellos.”

Todo indica que, mientras siga creando a partir de sus experiencias y las nuestras, Bad Bunny nunca va a dejar de sorprendernos. Lo estás logrando, Benito.

************* BONUS TRACK ************

Dicen que algunas coincidencias son demasiado buenas para ser ciertas. También dicen que las grandes mentes piensan igual. Cuando terminé de ver el video de TE DESEO LO MEJOR, no lograba descifrar en cual de esas dos frases cabía el hecho de que Demna Gvasalia y Bad Bunny parecían haber estado trabajando junto a Los Simpson en dos de los proyectos más grandes del año al mismo tiempo. Aunque me incliné por asumir que el primero había inspirado al segundo, se me ocurrió una mejor idea: preguntarle directamente a las fuentes y resolver este misterio.

Así que me dirigí a mi lugar favorito y logré tener la siguiente conversación con dos personas que tuvieron la suerte de trabajar en el corto de Balenciaga y el video de TE DESEO LO MEJOR: Al Jean y David Silverman; el primero guionista y productor ejecutivo de Los Simpson, el segundo director de la serie, su largometraje acompañante de 2007 y los dos proyectos en cuestión.

Sobre cómo se dio “TE DESEO LO MEJOR”

“Bad Bunny se puso en contacto con Los Simpson con la propuesta de hacer un video. Joel, Ryan, Christine y yo escribimos un guion inspirado en su canción y David lo dirigió.”

La pregunta del millón: Qué fue primero: ¿Balenciaga o Bad Bunny?:

“AL: Cuando salió el corto de Balenciaga, este proyecto ya estaba en producción.

DAVID: Así es. Para Septiembre ya estaba trabajando en ambos.”

Sobre el proceso:

“No conocimos a Bad Bunny en persona pero fue un gran placer trabajar en esto.”

¿Ya conocías a Bad Bunny, o también tuviste que recurrir a Wikipedia? (Al Jean confesó no saber qué era Balenciaga cuando le asignaron el proyecto): 

Al final las grandes mentes sí piensan igual.

Si al terminar de leer esto siguen teniendo 13 minutos libres de su valioso tiempo, dense el regalo de ver estas dos joyas (en caso de que no lo hayan hecho todavía):

THE SIMPSONS X BALENCIAGA:

THE SIMPSONS, BAD BUNNY - TE DESEO LO MEJOR

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